Guía de Orientación Cinematográfica y Televisiva

Harry Potter y El Principe Mestizo

2009-08-06T19:44:00.000-07:00

HARRY POTTER Y EL MISTERIO DEL PRINCIPE
(Harry Potter and the Half-Blood Prince– EE.UU, 2009)
Dirigida por: David Yates
Escrita por: Steve Kloves
Protagonizada por: Daniel Radcliffe, Michael Gambon, Rupert Grint, Emma Watson, im Broadbent, Alan Rickman, Maggie Smith y Helena Bonham Carter
Distribuida por: Warner Bros.
Duración: 153 minutos
Estreno: 16 de Julio de 2009

Lo prometido es deuda y a pesar de que los motivos no son de lo más elogiosos, hay que hacer frente a la profesión y disparar ante aquello que se presenta como un tanque de la industria cinematográfica.

Harry Potter y el Secreto del Príncipe, arranca con la increíble modificación del titulo original de la versión Norteamérica y de novela que da vida al film y como baldazo de agua fría, ya deja entrever las serias modificaciones que sufrió en la adaptación, solo para favorecer la dialéctica visual.

Desde una óptica, que debo reconocer de las más objetivas que puedo expresar en el último tiempo, además de la espectacularidad de la estética visual, muy pocas cosas son destacables en la perspectiva global del filme.

Al igual que las predecesoras, esta sexta entrega es nuevamente y por demás extensa, al punto que por momentos pueden escaparse bostezos. Se que con esto puedo obtener insultos de los cientos de fanáticos que puedan llegar a leer estas líneas, pero hay que reconocer que por momentos no logra el sustento necesario para justificar las casi tres horas de fotogramas.

En toda película, hay que identificar escenas memorables; esas que logran mantener el tempo y que permitan fijar en la retina esas escenas de las cuales uno sale comentando con quien supo acompañar a diestra o siniestra. En esta ocasión, las escenas existen, hay que reconocerlo, pero no por lo que puede pensarse.

Dos escenas destacan. En primer lugar, Potter en su encuentro sentimental con quien será tal vez, la mujer de su vida, deja tanto que desear que no puede entenderse como un adolescente, mago o no, se comporte con tanta frialdad y desde lo actoral transmita tan poco. Acto seguido, la partida del guía espiritual e intelectual del joven mago, es una de las escenas de despedida funeraria más gélida que he podido observar. En resumen, lamentable performance de Daniel Radclife, quien a esta altura debería replantearse seriamente continuar con su carrera actoral una vez terminada la zaga.

Si en tamaña producción, el personaje accesorio de Ron Weasley toma tanto protagonismo, algo de extraño debe tener todo esto. Esa característica se repite durante toda la obra. Uno tiende a prestar más atención al entorno que al nombre principal. Y si además le sumamos a una junta de villanos que ya no asustan a nadie, se convierte todo en un coctel difícil de digerir.

No hablaremos de la grandilocuencia de visual del filme, porque sería redundar en miles de conceptos similares a los que se pueden expresar, admirando cualquiera de los tanques cinematográficos que pueden presentarse en la actualidad o en el futuro.

Vuelvo a insistir, fanáticos aparte, todo aquel que desee empeñar su bolsillo, debe hacerlo con la conciencia puesta en continuar con la zaga y esperar que la última entrega, tenga todo el contenido dramático que esta no supo tener.

Sebastián Montagna
© Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción.

2009-07-26T20:20:00.000-07:00

Anticipo 2010

http://www.youtube.com/watch?v=a1IpPpB3iWI&feature=topvideos

Lie To Me - Miénteme -

2009-07-21T19:07:00.000-07:00

LIE TO ME
(Drama – EE.UU. -2009)
Creada por: Samuel Baum
Escrita por: Samuel Baum y Dustin Thomason
Protagonizada por: Tim Roth, Kelli Williams, Brendan Hines, Monica Raymund
Transmitida por: Fox, Lunes 22 Hs.
Duración: 42 minutos
Estreno: 20 de julio de 2009 (Bs. As)

El 21 de enero del corriente, se transmitió formalmente LIE TO ME –Miénteme- en el país del norte. De inicio se presenta al casi inexpresivo Dr. Cal Lightman (Tim Roth), quien luego de haber desarrollado para su gobierno lo que podría traducirse como Sistema de Codificación de Acciones Faciales, se pone al frente de El Grupo Lightman como asesor permanente en casos policiales, donde las pruebas físicas y corporales de los testigos, son el elemento necesario para llevar adelante una investigación policiaca.

La idea de que la identificación de los movimientos faciales y corporales, y a través de ellos permitir identificar rasgos de verdad o mentira en el comportamiento humano no es nueva. Si el enfoque que su creador, Samuel Baum, le da a la investigación científica desarrollada por le Dr. Paul Ekman.

El Dr. Lightman -en una brutal y casual traducción sería el Dr. Hombrebrillante-, es un polígrafo viviente y junto a su equipo, conformado por la profesional en psicología Dra. Gillian Foster (Kelli Williams), una ex policía aeroportuaria Ria Torres (Monica Raymund) y por un empleado que no puede mentir Eli Loker (Brendan Hines), enfrentan casos en donde no solo escuchar, sino mirar e identificar mínimos detalles y expresiones, los convierten en investigadores de lo que cualquier mortal no podría darse cuenta.

Muecas, una ceja respingada, la comisura del labio, un guiño, una mano en el bolsillo, una mirada y un sin numero de gesticulaciones, debidamente descritas como un mapa de la Tierra Media de Tolkien, se presentan como índice descriptivo de lo que todo investigador del Grupo Lightman, debe tener presente al momento entrevistarse con cualquier interlocutor.
Uno de los elementos meritorios de la serie, es cuando se mezcla la ficción con la realidad.

Para esto, es notable que cuando el Dr. Lightman realiza una explicación lógica en el comportamiento de un sospechoso y muestra o congela una secuencia visual para demostrar por caso una mentira, se entrecruzan imágenes de famosos y mediáticos casos policiales. Así pudo verse en esta primera emisión, gesticulaciones inolvidables de OJ Simpson o Mike Tyson, cada uno en su respectivo juicio.

La idea es que cada uno es su propia prueba de delito. Todos mienten en algún momento y como su karma, el Dr. Cal, no puede dejar el trabajo en la oficina. Lastimeramente, el trabajo lo persigue a cada paso o sino, como hacer para no reconocer a cada momento los gestos que hacen a una persona mentir. Todos mentimos alguna vez, por una u otra razón. El que esté libre de pecado, que arroje la primera piedra.

El elenco se conforma por una cuadrilla, que a excepción de Tim Roth (Tiempos Violentos, Agua Turbia, El planeta de los Simios y El Increíble Hulk), no se destacó hasta el momento en la pantalla grande.

La mano derecha del Dr. Cal, es interpretada por Kelli Williams, quien supo de protagónicos a partir de su papel como Lindsay Dole en 145 episodios de la reconocida serie de FOX Los Practicantes, de David E. Kelley (Boston Public, Ally McBeal y Chicago Hope) entre 1997 al 2003, a los que se suman una casi desconocida Monica Raymund y Brendan Hines, quien como dato destacable participo en 3 episodios de Terminator: Las crónicas de Sara Connor.

Como dice el subtítulo de la serie, la verdad está escrita en nuestros rostros. Además de lo novedoso de la temática, lo fluido en los diálogos, lo atrapante de las circunstancias y las excelentes interpretaciones –sobre todo y como era de esperar de su protagonista-, la idea de influir en el televidente, está presente a cada segundo y seguramente, de ahora en adelante, antes de decir una mentira, cada uno pensará muy bien que gesto hace… o deja de hacer.

Los trece episodios que se transmitieron en el norte del continente y que se comenzaron a poner en pantalla desde el lunes 20 de julio, a las 22 hs. por la señal FOX, ya tienen asignada continuación para el segundo semestre del 2009. Solo hay que esperar, que esto se cumpla y no sea una mentira.

Sebastián Montagna
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La Era de Hielo 3

2009-07-19T21:08:00.000-07:00

LA ERA DE HIELO 3
(Ice Age 3, – EE.UU., 2009)
Dirigida por: Carlos Saldanha y Mike Thurmeier
Escrita por: Jason Carter Eaton
Protagonizada por: Ray Romano (Manny), Denis Leary (Diego), John Leguizamo (Sid), Queen Latifah (Ellie), Seann William Scott (Crash), Chris Wedge (Scrat), Josh Peck (Eddie) y Simon Pegg (Buck).
Distribuida por: Fox
Duración: 94 minutos
Estreno: 1 de Julio de 2009

Tercera historia de la manada más controvertida de la prehistoria. Sid, Manny, Diego, con los nuevos ingresados de la edición anterior, Ellie, Crash y Eddie, vuelven al ruedo con una historia, que los sigue situando en una edad post jurásica interminable.

La trama se centra en los cambios que sufre la manada, a la espera del nacimiento inminente del vástago de la pareja mamut. Diego transita por un dilema de personalidad, y se pretende iniciar un camino de búsqueda interior, Sid se siente excluido una vez más y adopta tres huevos a punto de dar a luz y Manny tiene los nervios propios de un padre a punto de ver nacer a su hijo.

Varias cosas pueden desprenderse del análisis pormenorizado del filme.

Es objetable que se vuelvan a utilizar las figuras de los tres principales personajes, como sostén de toda la película. Para poder contar la historia, es muy posible que se pudiera utilizar cualquier tipo de dinosaurio, con otros nombres, otras características y otros rasgos. Si se usan, es meramente justificable porque son los jugadores franquicia, que hacen el gasto de sustentar la venta de tickets.

Acertada como en las ediciones anteriores, la chispa que se le da a cada una de las líneas del guió. La plasticidad con la que cada uno de los personajes utiliza el humor, que en algunos casos logra puntos altísimos en los gags de las zarigüeyas, hace recordar el grotesco y mordaz de los ciclos humorísticos como Cha Cha Cha o Todo x $2.

A pesar de haber leído duras críticas en medios electrónicos, sobre lo defectuosa y hasta poco convincente tratamiento de imagen, me permito discernir sobre este punto. Sin haber presenciado la versión en 3D, una de las características que más impacto a este espectador, fue haber presenciado una evolución notoria en el tratamiento visual, sobre todo en aquellas escenas de persecución donde se utiliza el recurso de la cámara lenta.

Otra de las notorias críticas detractoras del filme, denotan lo vacío y poco educativo que resulta el hilo conductivo de la historia, sobre todo, en contrapunto con producciones como UP o Wall-e del conglomerado Disney/Pixar. En este punto, sostengo que cada producto busca impactar a su manera y con sus características. Nada impide que un espectador se sienta atraído por una moraleja bien habida como las que se transmiten el las mencionadas producciones que compiten con La Era. Si el objetivo es entretener, divertir, robar una sonrisa la platea infantil y a sus tutores de turno, La Era cumple con creces y de eso no hay que tener vergüenza. Cada loco con su tema.

Finalmente, meritoria la inclusión del nuevo personaje Buck la comadreja, que a la vera de un John Rambo, cumple con ayudar a los protagonistas en el rescate de uno de sus miembros, con muchas situaciones de alto vuelo humorístico, escénico y dramático. Padres, tíos, abuelos, padrinos y sobre todo infantes, no duden que el objetivo de entretenerlos está más que cumplido.

Sebastián Montagna
© Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción.

Dr. House Vs. Lost - Parte 2

2009-07-16T19:03:00.000-07:00

Para esta segunda parte, se propone un enfrentamiento un tanto más puntilloso. A saber:

GIROS BRUSCOS EN LAS PRIMERAS IDEAS

Desde su génesis, David Shore sostuvo que una de las características físicas del Dr. Greg HOUSE, fuera la de tener una discapacidad motora, tal vez para permitir algo de empatía por parte de los televidentes. En un principio la idea fue que HOUSE se desplazara por los pasillos montado en una silla de ruedas. Esta idea fue rechazada por las autoridades de FOX (Fox Broadcasting Company), sin embargo mutaron la parálisis en una dolencia permanente en una de sus piernas, que lo obliga no solo a trasladarse sobre un bastón, sino que es causa y justificación de su adicción al Vicodín. Para aquellos que aún no han intervenido en el universo HOUSE, la importancia que toma el Vicodín dentro de la tira es tal, que muchos llegan a considerarlo un personaje más. Se comenta, que muchos directores le han sugerido a Hugh Laurie, pensar en “cantidades” de pastillas consumidas, para poder centrarse en el desarrollo de una escena (pensá en entrar en escena como si HOUSE estuviera bajo el efecto de 3 Vicodín).

La idea inicial en el rumbo primario de LOST, podría haber generado una serie totalmente distinta. ¿Qué pensarían si les dijeran que uno de los principales personajes estuviera predestinado a morir y desaparecer definitivamente, en el piloto de presentación? Si, si, señores. Para quienes han iniciado el buceo por la isla perdida, es bueno que sepan que Jack Shepard, estaba predestinado a morir en la primera expedición en la que se adentra en la isla, para buscar los restos de la trompa del avión. La decisión final, fue que el personaje de Jack sobreviviera y su muerte fue suplantada por la del piloto del avión (quien además es uno de los productores). Sería impensado no tener a Jack en la serie, no solo porque se erigió como el primer líder dentro de los sobreviviente, sino porque a pesar de la importancia del resto de los personajes, si se es muy puntilloso en el seguimiento de la historia, el Dr. Shepard es responsable casi exclusivo de que se sostenga el continuo de cada una de las temporadas.

SER O NO SER EL LIDER - Apartado cortito y bien claro.

No cabe dudas de que Gregory HOUSE es quien le da sustento a su serie. No solo desde el punto de vista de que la serie parte de su nombre, sino que en todo momento es su historia es la protagonista. A pesar de que en cada emisión se plantean nuevos casos, nuevas relaciones y hasta nuevos equipos, ninguno llega a superar la posición de HOUSE. En tal sentido, el protagonismo de uno u otro personaje, toma connotación solo a partir de la forma en que se relacionan con HOUSE.

Desde la primera temporada, LOST se propone un constante pase de mando entre los distintos protagonistas de la serie. Están aquellos que surgen propuestos por sus pares; están quienes deben tomar las riendas de una situación en forma autoritaria, obligados por agentes externos o internos; están quienes toman el liderazgo dentro de la isla; están quienes asumen el liderazgo fuera de la isla; están quienes ceden el liderazgo obligados por la isla (¿?); y así bueno, tantas idas y vueltas.

CAMBIOS DE PROTAGONISTAS

Dos de las principales figuras en LOST, no habían sido seleccionados para esos personajes. A pesar de no ser escogida en el casting para el papel de Kate Austen, la actriz Yoon-Jin Kim, tuvo su lugar, al igual que Jorge García, quien se había postulado inicialmente para ocupar el papel de Sawyer. Tan impactados quedaron los productores con sus performances, que decidieron crear personajes solo para poder mantenerlos en la producción. Sun Hwa-Kwon y Hugo "Hurley" Reyes respectivamente, son los papeles que saben representar desde el año 2004, con gran éxito e incidencia a lo largo de 5 temporadas. Otra particularidad, es que Jack Shepard, solo fue asumido por Mathew Fox, solo a partir de la negativa de Michael Keaton.

Gregory HOUSE es el típico maniático norteamericano. Tiene todos los vicios y modismos de un yanqui, a pesar de ser representado por un apacible británico. Cuando el Director Bryan Singer tuvo la oportunidad de ver el casting de Hugh Laurie, comentó lo impactado que estaba por la representación del “estadounidense”. Tremenda sorpresa fue enterarse de que quien interpretaría a HOUSE, era tan buen actor que pudo disimular todos sus modismos. Al igual que nuestra competidora, Laurie tuvo competencia reconocida para ocupar su puesto. Actores de la talla de Patrick Dempsey (Grey's Anatomy), Denis Leary (Rescue Me) o Rob Morrow (Numb3rs), intentaron sin conseguirlo el papel del Doctor más famoso de la televisión Norteamericana.

Dr. House Vs. Lost - Parte 1

2009-07-15T19:51:00.000-07:00

A partir de comentarios propios de televidentes y fanáticos que se expresan en distintos foros y redes sociales, se plantean rivalidades y enfrentamientos, en algunos casos hasta sangrientos, para otorgar el podio a una serie televisiva. Lógicamente estas opiniones se basan en cuestiones subjetivas y no tanto por motivos relacionados específicamente a características esenciales en cada caso.

Desde estas humildes páginas, les propongo manifestar, expresar, asentar y/o destacar características y elementos relevantes de algunas de las mejores creaciones de los últimos años, y si bien se pueden presentar como enfrentamientos, la idea es que cada uno pueda identificar los elementos necesarios para poder sentarse y disfrutar sin culpa, una u otra emisión. Insisto: no es una comparación, solo manifestar las características que propiciaron el suceso de cada producción y la convirtió en un éxito.

En esta primera entrega, se proponen como virtuales contendientes dos de las series más fructíferas del último lustro, que dadas las casualidades vieron la luz el mismo año. Para el 2004 se vio por primera vez en ABC (American Broadcasting Company) la serie LOST y enfrentada en la señal de FOX, al medico más prolífico que entrego al la pantalla chica, Dr. House. Amadas y odiadas por fanáticos y detractores, cada una puede disfrutarse al mismo tiempo –caso de quien escribe- si se tienen en cuenta que cada una basa el sustento de su éxito en características totalmente opuestas.

LOST propuso desde su primer fotograma una historia abierta, en donde un accidente aparentemente fortuito dejó varados a los pasajeros y tripulantes sobrevivientes del vuelo Oceanic 815, en una supuesta isla desierta en medio del Océano Pacifico. Con el correr de los minutos, y los episodios, el cruce de historias previas entre los distintos personajes demostró que nada de lo expuesto fue fortuito y todo tuvo que ver con todo.

Comentado por los mismos productores y guionistas (Jeffrey Lieber, J.J. Abrams y Damon Lindelof), el aditamento esencial tuvo que ver con otorgarle al elemento circundante –la isla-, el status de personaje central. Fue la primera vez que un ente inanimado, fue protagonista de una Serie Televisiva. La isla tuvo vida, tuvo secretos, tuvo algo que decir, tuvo algo que hacer, formó parte y todo de la trama, eso atrapó a las masas. La isla los guió, los aconsejó, los amoldó a su gusto e hizo de ellos, sus marionetas. Por lo menos eso es lo que se mostró hasta el momento.

DR. HOUSE, sostiene el continuo de tiempo, espacio y trama solo sobre la figura exultante de su protagonista principal, el Dr. Gregory House. Director del Departamento de Diagnóstico del Hospital Universitario Princeton-Plainsboro de Nueva Jersey, cada episodio en un nuevo reto a su inteligencia y conocimiento. Como líder de grupo, utiliza la ironía y el sarcasmo sobre sus comandados, para obtener los mejores resultados y encontrar las raíces de las dolencias mas extrañas que puedan encontrarse.

En el momento de su génesis, sus creadores David Shore, Paul Attanasio y Katie Jacobs, supieron que el punto relevante de la serie, sería la magnética presencia de un doctor que robará todas las miradas y atención de los espectadores y centró en él el para dar sustento dramático. Las historias anexas del resto de los protagonistas, son sin duda dan un marco ideal, no solo para que desarrollen su participación a lo largo de las temporadas, sino para resaltar el presencia de HOUSE.

Primer punto de similitud entre ambas producciones: tres productores ejecutivos que se desempeñaron exitosamente en producciones precedentes. En el caso de los productores de LOST, se destaca la premiada ALIAS, protagonizada por Jennifer Gardner. En el caso de HOUSE, es imposible omitir la pluma de David Shore en LA LEY Y EL ORDEN.

En el caso de LOST, nada de lo que se presenta como hecho fáctico, es decir posible de comprobar empíricamente, es justamente eso, comprobable. La fantasía y los elementos sobrenaturales se presentan con una normalidad asombrosa, al punto de no ser cuestionadas por más irrisorias que parezcan.

Además de la ya mencionada isla viviente, el hecho de que exista un monstruo –el humo negro- sobre el cual, hasta el momento no se tienen mas intrigas que certezas, osos polares inexplicables y demás elementos que no revelaremos por si acaso el lector aún no tuvo la suerte de sentarse a disfrutar, le dan sentido a todas y cada de las situaciones que se van suscitando a lo largo de las cinco temporadas que se transmitieron a la fecha.

Enfrentada a la propuesta misteriosa, puede asegurarse que todos y cada uno de los elementos que forman parte cada una de las emisiones de HOUSE, son no solo comprobables, sino que han sido científicamente demostradas por profesionales en la materia médica.

Para más información, solo basta con citar las opiniones de médicos congregados por una investigación periodística propulsada por el Diario "El País" y el Observatorio de la Comunicación Científica de la Universidad Pompeu Fabra, con la colaboración del Instituto Novartis de Comunicación en Biomedicina. Ellos enunciaron que “son casos sacados de libros de diagnósticos clínicos que la mayoría de los médicos no tratarán nunca".

Con la intención de no saturar de información al lector, y en virtud del profundo conocimiento de quien escribe sobre ambos productos enfrentados, el informe se desarrollará por capítulos. Espero estos primeros elementos, sean punto de partida para generar la inquietud y la duda sobre la posibilidad de disfrute de dos productos tan disímiles.

UP, Una Aventura de Altura

2009-07-12T17:31:00.000-07:00

UP – UNA AVENTURA DE ALTURA
(UP – EE.UU. -2009)
Dirigida por: Pete Docter
Escrita por: Bob Peterson Y Pete Docter
Protagonizada por: Edward Asner o Tito Reséndiz (Carl Fredricksen), Christopher Plummer o Roberto Carnaghi (Charles Muntz), Jordan Nagai o Irving Corona (Russell) y Bob Peterson o Edgar Vivar (Dug).
Distribuida por: Buena Vista Latinoemérica
Duración: 96 minutos
Estreno: julio de 2009

Cuando el año pasado se estreno Wall-e, ya se identificaba una intención distinta en los cráneos de Pixar. Además de unirse definitivamente al Mundo Disney, Peter Docter quien junto a John Lasseter supieron desarrollar desde mediados de los ’90 la creciente Industria Digital de Pixar, se centró en no dirigir una película mas de animación, sino un nuevo concepto para quien les escribe: la animación camuflada. Es decir, dibujos animados con alto contenido de crítica. Dibujos para adultos.

Up, una aventura de altura, es mucho más que un divertimento para la platea infantil. El padre, tío, padrino o abuelo que piense que con comprar pochochos y gaseosa le va a ser suficiente, tiene que prepararse para el vuelto que entrega la pantalla blanca iluminada por los fotogramas.

Desde el inicio, la historia de Carl Fredericksen enternece, emociona y roba lágrimas. En algo que ya se nota en todo lo que Pixar produce, los primeros 3 minutos, dejan bien en claro de que se trata lo que resta. Ojo, esto no quita mérito a nada de lo que sigue, es más, deja preparado el terreno para que el espectador sepa de que se viene la cosa y se disponga de para vienes a sacar de la cartera, el bolsillo o la campera, un buen pañuelo descartable, porque lo vale.

Redundar en elogios a los ya conocidos efectos visuales y concepciones digitales creados para contar la historia, no vale mucho la pena. Si destacar que es la primera producción Disney/Pixar que se realiza para proyectar en 3D. Lamentablemente, no se pueden dar demasiadas precisiones desde estas páginas. Si es seguro que el disfrute debe superar con creces lo que pudo visualizarse desde una sala de las ya corrientes, en cualquier complejo.

Cabe destacar que, tras fallidos intentos de otras productoras – no hay muchas más, citemos a Dreamworks Animation – por realizar traducciones con voces locales que dejaron demasiado que desear, pueden escucharse las voces de Edgar Vivar (mas conocido como el Sr. Barriga de El Chavo) y al autóctono Roberto Carnaghi, ambos en un español neutro que sienta muy bien al resto del ignoto elenco Latinoamericano.

Si a todo lo mencionado, le sumamos las comicas sutiles escenas y diálogos, estamos frente a una de las mejores producciones del año. La sencilles de lo efectivo y el deleite de lo correcto.

La intención está. La decisión editorial, también. El público infantil, ya aceptó este tipo de producciones. El adulto que se acerque a esta película, agradecerá llevar a sus hijo, sobrino, hermano o infante de turno, para disfrutar de una asombrosa velada.

Sebastián Montagna
© Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción.

Dulce Noviembre

2009-07-12T16:50:00.000-07:00

DULCE NOVIEMBRE

(Sweet November - EE.UU., 2001)
Dirigida por: Pat O'Connor (I)
Escrita originalmente por: Herman Raucher (1968)
Guión de: Kurt Voelker
Protagonizada por: Keanu Reeves (Nelson Moss), Charlize Theron (Sara Deever), Jason Isaacs (Chaz), Greg Germann (Vince Holland), Liam Aiken (Abner).
Duración: 119 minutos
Distribuida por: Warner Bros.
Estreno: 21 de junio de 2001

Dos personalidades altamente contrastadas y un poco de humor son suficientes para establecer una historia llevadera. Si le agregamos algo de romance, tendremos una producción atractiva al público femenino.

Este es el caso de “Dulce Noviembre”. Nelson (Keanu Reeves) es un afamado publicista y lo que en Norteamérica se conoce como “workholic”, es decir, un adicto al trabajo. Almuerza, conversa, duerme y sueña con su trabajo. Su contracara, se presenta de la mano de Sara (Charlize Theron) quien cansada de las presiones, toma la decisión de enfrentar la rutina de otra manera. Vive la vida a cada segundo, disfrutando de lo que el día le pueda brindar. Ni más ni menos.

En un momento poco propicio para Nelson, el destino los une y crea una efímera relación que no tardará en consolidarse por una venturosa proposición: compartir un mes completo al estilo de vida de Sara dejando en claro algunos puntos, no celular, no trabajo, no internet, no a todo lo que era rutina en un mundo de negocios.

La iniciativa de realizar una remake de 1968, tendría la intención de mejorar o al menos igualar lo ya realizado, pero deberían haber tenido en cuenta las limitaciones de Keanu Reeves. No se puede negar el nivel de mega estrella alcanzado por el protagonista; The Matix y Speed corroboran la aseveración, pero las deficiencias a nivel dramático ya se vislumbraban desde “Un paseo por Las Nubes” junto a María Conchita Alonso. Punto negativo.

Seguramente, la idea de incluir a Keanu como figura masculina, solo se basó pura y exclusivamente en una estrategia de marketing, ya que Charlize Theron sigue pagando, esperemos por poco tiempo más, el derecho de piso que cobra como canon ineludible el estrellato de Hollywood. Ubicándola entre las actrices que seguramente darán que hablar en los próximos años, es la egresada más destacada de la escuela del llanto. Imitanando sermones religiosos, una lagrima suya bastará para provocar un exceso de humedad en la zona ocular. Punto positivo.

Por demás, la producción es un canto a la vida. Representa correctamente una sociedad sumida en quehaceres rutinarios, que dejan de lado los placeres propios de la vida y con esto no se quiere decir los placeres emparentados con retorcidos deseos; se plantea una vuelta las fuentes, a respirar bien profundo, a saborear un lento atardecer, a compartir un beso frágil, a experimentar la sensación entrañable de amar. Punto positivo.

Redondeando un film acomodado a las expectativas, el final inesperado y fuera de lo previsible, otorga un sabor dulce que escapa a la normalidad. El mensaje es bueno, la técnica también, pero faltó poquito para marcar un momento en el tiempo.

Sebastián Montagna
© Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción

Alguien Como Tú

2009-07-12T16:33:00.000-07:00

ALGUIEN COMO TU
(Someone Like You - EE.UU., 2001)
Dirigida por: Tony Goldwyn
Escrita por: Elizabeth Chandler
Basada en la Novela “Animal Husbandry” de Laura Zigman
Protagonizada por: Ashley Jude (Jane Goodale), Greg Kinnear (Ray Brown), Hugh Jackman (Eddie Alden), Liz (Marisa Tomei), Ellen Barkin (Diane Roberts).
Distribuida por: 20th Century Fox.
Duración: 94 minutos
Estreno: 19 de julio de 2001

Encontrar la fórmula correcta para manejarse en una sociedad altamente sofisticada, es parte del quehacer habitual de cualquier profesional que se jacte de ser una persona integrada a los ámbitos del mercado. Desde la posición más insignificante de una organización, cada célula integrante de la cadena, tratará de buscar explicación lógica a sus actos pasados, presentes y futuros. ¿Pero, que sucede cuando queremos explicar científicamente cuestiones del corazón?

Siendo una prolífica productora televisiva, Jane Goodale – Ashley Jude “A time to kill”, “Heat” – solo encuentra vacío en sus relaciones sentimentales y luego de pasar por la situación amorosa más traumante de su vida, decide aplicar toda su capacidad deductiva en encontrar una respuesta racional a tal situación. A tal efecto, no tiene mejor idea que homologar una teoría bovina a los comportamientos masculinos: “La teoría de la Vaca vieja”.

No es intención del cronista, realizar una exhaustiva descripción de la mencionada teoría, pero no puede discutirse que el film se encuentra exclusivamente sustentado por la narración y exposición de la misma. En este punto, es acertada la forma de diagramar la narración. Una adecuada – aunque no novedosa – interposición de cuadros a modo de títulos de capítulo, dan ese sabor tan envidiable y propio de los libros. Las más sinceras de las felicitaciones referidas a este tópico. Pero finalmente, se queda corta y no logra aprovechar todas las posibles que el tema puede brindar. Falta la vuelta de tuerca, el guiño final, la sorpresa que marque la diferencia comparativa y es allí donde cae. Hasta aquí, lo más sobresaliente en lo que a teoría fílmica se refiere.

Constantemente se propone realizar un film de alto corte seudo psicológico, entremezclando hipótesis sobre comportamientos humanos y animales que seguramente sorprendería al más fanático freudeano. El macho fuerte y seductor, enfrentado al Hangliniano macho postmoderno, intenta reflejar la realidad individual de la protagonista y solo deja de manifiesto la pérdida del control de la situación por su parte. En definitiva, denota una búsqueda de evasión propia de una personalidad débil; algo poco favorable.

Por demás, el reparto se completa con un par de caras bonitas que logren brindarle sustento a la producción. De hecho, es el poco sustento que logra obtener a partir del mercado cautivo que puedan tener los actores. Buenos nombres, tales como Greg Kinnear – “As Good As It Gets” – Marisa Tomei - “My Cousin Vinny” (que le valió un Oscar) – y el moderno Hugh Jackman – “X-Men” – cumplen su función de parteneres obligados en esta producción. Lo más objetable es que tanto talento, no se encuentre bien aprovechado.

Para aquellas parejas en vías de consolidación sentimental, es poco recomendable. Para aquellas parejas bien afirmadas en sus compromisos, les servirá para divertirse livianamente un rato y recordar viejas épocas de soltería. Para aquellos que busquen algo interesante y de lo cual extraer alguna idea importante, es aconsejable una buena película independiente.

Sebastián Montagna
© Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción

Los Otros

2009-07-12T16:25:00.000-07:00

LOS OTROS
(The Others – ESPAÑA/U.S.A/FRANCIA/ITALIA, 2001)
Dirigida por: Alejandro Amenábar
Escrita por: Alejandro Amenábar
Protagonizada por: Nicole Kidman (Grace Stewart), Fionnula Flanagan (Mrs. Bertha Mills), Christopher Eccleston (Charles Stewart), Alakina Mann (Anne Stewart), James Bentley (Nicholas Stewart), Eric Sykes (Mr. Edmund Tuttle) y Elaine Cassidy (Lydia).
Distribuida por: Buena Vista International
Duración: 101 minutos
Estreno: 13 de septiembre de 2001

Grace (Nicole Kidman) es una mujer fuerte, valiente. Desde la partida de su marido para combatir en la Segunda Guerra Mundial, ha hecho frente a una enorme mansión, a una aparente fortuna que de apoco va mermando y a la crianza de sus dos pequeños hijos, Anne y Nicholas, que por problemas de salud no deben ser expuestos a la luz solar.

Un tarde, sin aparente sorpresa y luego de haber recibido al nuevo séquito que la secunda en la manutención del hogar, Grace experimente sensaciones, que aunque se niega a creer, de apoco van transformando su vida en una realidad siniestra y oscura, tal vez más oscura que la oscuridad que habita permanentemente dentro de la mansión.

El “thriller”, como género producido en la mixtura del terror y suspenso, ha sabido demostrar en muchísimas oportunidades, gran cantidad de ejemplos que lo hacen uno de los más elegidos. El bebe de Rosemary – de Roman Polansky -, y El Resplandor – de Stanley Kubric –, por nombrar algunas, son moneda corriente, cuando se trata de helar la piel y producir saltos que puedan competir con facilidad en una olimpiada.

En esta oportunidad y con una corta aunque no menos importante carrera cinematográfica, el español Alejandro Amenabar, aprovecha la corriente latina de fines del siglo XX y se juega sus primeras fichas en el cautivante Hollywood. Sus producciones más destacadas – únicas - hasta el momento fueron su opera prima Tesis (1995) y Abre los ojos (1997), que poseen no solo el reconocimiento de haber sido dos productos de excelente factura, también tienen el agregado de que el Sr. Amenabar también es el responsable del guión y la musicalización. Algo puede deducirse de conocer la trayectoria de este español, seguramente dándole unos años más, podrá establecerse como uno de los futuros directores de género más destacados del naciente milenio.

Pero aboquémonos de lleno a este Los Otros y para obtener una idea acabada de lo que se va a encontrar, lo más acertado es ejemplificar que sentimientos podrá experimentar a lo largo del filme.

Ya desde el título plantea serias intrigas sobre el tema que se tratará, anclado en una gráfica muy convincente, las primeras señales se dejan vislumbrar, produciendo un incremento de duda en los potenciales espectadores. Ubicados cómodamente en la butaca, la sucesión de fotogramas iniciales, narra brevemente una historia, dejando un halo de duda e intriga que se entremezcla con una lúgubre tiniebla y la penetrante oscuridad compuesta y propuesta por el director.

La oscuridad es el elemento más bien llevado de toda la filmación. Ambientes que deberían encerrar cariño, afecto y amor, son transformados en espacios vacuos, en donde uno no puede ingresar, si antes no ha cerrado adecuadamente su puerta de acceso. El juego que se plantea entre las luces y las sombras, son el efecto especial mejor efectuado y el secreto mayor guardado de esta producción, que si bien está sustentada por una de las “mayors”, a simple vista deja de manifiesto no haber utilizado un majestuoso presupuesto.

Como no podía ser de otra manera, una historia tan apasionante, como la que se pretende contar, no podía ser interpretada un una actriz mediocre. Si bien no hubiese sido necesario contar con una estrella, la elección de Nicole Kidman para llevar adelante el papel de Grace, fue la frutilla de la copa. A partir de Ojos bien cerrados – de Stanley Kubric – Kidman dejó bien sentada algunas cosas, ya no quería trabajar – ni vivir – con su esposo Tom Cruise, estaba dispuesta a esperar papeles de calidad, con los cuales lograr un alto compromiso dramático y si los obtenía, no podría frenar su definitiva llegada al estrellato de las consagradas. Esto se hizo realidad; su Satine de Moulin Rouge, tal vez sea uno de los personajes más recordados – personalmente lo será – y su composición en Los Otros, pone su firma y sello final, para un 2001 más que auspicioso.

Gracias al ojo calculador del director, el personaje de Grace puede enaltecerse por el magnífico contrapunto que se establece con el de la Sra. Mills, interpretado por la experimentada actriz irlandesa Fionnula Flanagan. La Sra. mills, no solo se desempeñará como ama de llaves y camarera general, gracias a sus virtudes – y su dudosa procedencia – su interpretación del mundo – de aquí, de allá y de más allá – dejarán entrever muchas de las pistas que se irán sumando en la cabeza del espectador, quien no podrá disminuir los intentos por lograr descifrar el enigma.

Desde otra óptica un tanto más sociable, la visión del director entremezcla, en sus juegos de sombras, escalofríos y densas brumas, la presentación sutil de serios planteamientos sobre la veracidad de algunas creencias religiosas y cuestionamientos a las sagradas escrituras, en ningún memento se deja caer en la blasfemia, pero deja abierta la puerta a inquietudes tendientes a resolver enigmas sobre el mundo de los muertos, el mundo de los vivos y la fina línea que los une y los separa.

En su corolario, la producción dejará en la memoria eufórica de los espectadores, altos grados de tensión, emanada de un gran secreto que se esconde donde uno menos se imagina, una continua sucesión de elementos escalofriantes, que provocarán un brusco cambio en los elementos narrativos y que dejarán descubrir el porqué de la gran afirmación del filme: “No siempre hay una respuesta para todo”.

Finalmente, es meritorio mencionar que la película despliega, demuestra y deja de claramente desterrada, una de las grandes intrigas que todos tuvimos a fines de la década del ‘90: ¿será posible hacer un film que por lo menos llegue a la altura de Sexto Sentido? El tiempo es gran consejero y entrega muchas y respuestas. Se podía.

Sebastián Montagna
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Leyendas de Vida

2009-07-12T16:11:00.000-07:00

LEYENDAS DE VIDA
(The Legend of Bagger Vance, EE.UU., 2000)
Dirigida por: Robert Redford

Escrita por: Jeremy Leven
Protagonizada por: Will Smith (Bagger Vance), Matt Damon (Rannulph Junuh), Charlize Theron (Adele), J. Michael Moncrief (Hardy Graves).
Duración: 120 minutos
Distribuidora: Twentieth Century Fox
Estreno: 26 de abril de 2001

“Dentro de cada uno de nosotros existe nuestro autentico swing”, ¿qué se quiere decir con esto? A modo de explicación, el swing, tanto en baseball como en golf, es el concepto que técnicamente describe la forma en que cada jugador impacta la bola y que indudablemente tiene un sello personal. En conceptos porteños, sería tan comparable a la forma que describiríamos la increíble pegada que posee Maradona en su botín izquierdo.

Runuulph Junuh (Matt Damon), creciente promesa deportiva de Savannah, Georgia, tuvo la suerte de servir a su país en la I Guerra Mundial. Al volver, comprende que ha perdido su alma, sus motivaciones y sus ganas de vivir, es decir, su Swing. Es en este punto cuando entra en escena la misteriosa figura de Bagger Vance, su nuevo caddy.

Es que el swing, no significa solamente tener un sello personal en el modo de practicar un deporte, es mucho más que eso y puede identificarse en cada uno de los actos de la persona, desde levantarse por la mañana a la forma de realizar sus tareas diarias, es una forma de enfrentar la vida. Para poder expresar todo eso convincentemente hace falta experiencia y algo más.

Robert Redford, aparte de ser un prominente promotor de la industria independiente, tiene como norma expresar una intención, dejar una moraleja, comunicar un mensaje que valga la pena. Para realizar esto, y como los años no vienen solos, sabe rodearse de un equipo que esté a la altura de sus pretensiones. Dadas estas características es entendible el finísimo estilo con que encara sus obras y esta no es la excepción.

No solo de efectos especiales vive la industria, pero gracias a Dios, pueden adaptarse para obtener grandiosos recursos visuales que logran ejemplificar de manera acertada la filosofía de que Redford le imprime a su obra; de esta manera, es impecable la manera en que ejemplifica los diferentes estados de los personajes dentro del film, sus evoluciones y deja en claro que sin explosiones ni disparos se pueden ganar premios.

En conclusión, una obra fílmica digna de ver, de donde pueden rescatarse actuaciones modestas – Will Smith en un papel interesante, lejos de todo lo que se le ha visto anteriormente y que de a poco le va consolidando -, pero que hacen juego con la prolija producción que seguro hará deleite de la audiencia.

Sebastián Montagna
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KRAMPACK - Pero No Pude Dejar La Paja

2009-07-12T16:03:00.000-07:00

KRÁMPACK
(Krámpack – ESPAÑA, 1999)
Dirigida por: Cesc Gay
Escrita por: Tomás Aragay & Cesc Gay
Protagonizada por: Fernando Ramallo (Dani), Jordi Vilches (Nico), Marieta Orozco (Elena), Esther Nubiola (Berta) Chisco Amado (Julian) & otros.
Distribuida por: Primer Plano Film Group.
Duración: 90 minutos

Estreno: 11 de octubre 2001

Si hay una edad en la cual hasta el mínimo roce de una brisa puede afectarnos, esa edad es la adolescencia. En este período, nada está de más. Las personalidades se revelan como volcanes a punto de hacer erupción – literal y fisiologimante hablando – pero contrapuestamente, se experimentan sensaciones de alienación constante y profundas depresiones que, conjuntamente con un sin número de emosiones, marcan el futuro desempeño a nivel profesional, actitudinal y sentimental de cada individuo.

En una suerte de fabula basada en la afamada puesta teatral homónima, el barcelonés Cesc Gay, cuenta la historia de Dani y Nico, dos chicos como púdimos haber sido cualquiera de nosotros. Ellos comparten una entrañable amistad, semejante a la que cualquier lector – incluso este cronista – ha podido tener a lo largo de su controversial adolescencia. En pocas palabras, ellos son los “mejores amigos”. Comparten salidas, gustos musicales, códigos y un sinnumero de cosas. Pero en una edad en las cual la testosterona empuja desde lo profundo del corazón, tal vez no se encuentra presionanado desde un mismo ángulo.

Juntos, como no podía ser de otra manera, iran descubriendo que comparten el mismo objetivo: iniciarse sexualmente. El quiebre – permitanme decirlo – sumamente jugado y atrevido, aunque no menos loable,se produce cuando ambos protagonistas comienzan a identificar que si bien comparten un mismo objetivo, poseen una leve – o no tanto – discordancia en el modo de realizar esta tan mentada iniciación.

Atravezando mares de cerveza y espezas nubes de humo “non santo”, los juegos de seducción se iran entremezclando y confundiendo. La amistad de dos ocasionales mujercitas – mejor llamadas niñas precoces -, harán las delicias de uno pero no del otro y a partir de ese momento se entablará la más acerrimas de las batallas, teniendo como objetivo principal la conservación de aquello que se tenía hasta ese momento, por un lado, y la busqueda de aquello que aún no se posee, por el otro.

Es entendible que todo lo argumentado hasta el momento se preste a confusión y está bien que así lo sea, porque cuando el espectador se sumerja en la butaca para presenciar la segunda obra de este barcelonés, experimentará fuertes sensaciones de añoranza y recuerdos encerrados muy fuertemente guardados – por no querer decir reprimidos – saldrán a flote y lograrán una suerte de reflejo, para algunos más cercanos, para otros más distante, pero igualmente válido, sensillamente porque en mayor o menor medida todo ser humano a experimentado sensaciones similares. Y eso es imposble de olvidar.

La realidad de una producción modesta – al igual que su presupuesto – nos presenta una película independiente que logra sus objetivos a través dos jovenes talentos españoles que han sabido hacer frente a papeles sumamente complicados y por los que se le debe un amplio reconocimiento, no solo por jugado de sus roles, sino por el alto grado de exposición y lo comprometido que pudieran sentirse posteriormente.

En síntesis, la apuesta es buena y lográ hacer frente a las exigencias. Tanto para Nico como para Dani este será un verano distinto. Ambos descubriran que sus caminos se habren por senderos distintos, pero finalmente, lograrán entender que no están tan alejados y salvando sus propios temores, podrán volver a unirse.

Sebastián Montagna
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Moulin Rouge! Amor en Rojo

2009-07-12T15:55:00.000-07:00

MOULIN ROUGE! AMOR EN ROJO
(Moulin Rouje, EE.UU, 2001)
Dirigida por: Baz Luhrmann
Escrita por: Baz Luhrmann y Craig Pearce
Protagonizada por: Nicole Kidman (Satine), Ewan McGregor (Christian), John Leguizamo (Toulouse Loutrec), Jim Broadbent (Zidler), Richard Roxbourg (Duque de Wordchester) y otros.
Distribuida por: 20th Century Fox
Duración: 122 minutos
Estreno: 24 de agosto de 2001

Al momento de comentar el filme, el cronista suele situarse en la posición de espectador avanzado y trata de enunciar las características que harán de su cometario, el salvador o inquisidor de la película. En esta ocasión, trataré de situarme en una posisicón lo más omnisiente posible y dejandar librado a la voluntad del espectador la crítica objetiva. ¿A que se debe esta postura? Simplemente a que es sumamente complicado lograr una crítica objetiva del filme y ésta, tal vez sea su principal característica y ventaja competitiva: interactuar permanentemente con el espectador, extirpando sensaciones muy escondidas.

La trama transcure en la Francia de fines de siglo XIX, con todo el glamour y el brillo que desprende la revolución bohemia. En manos de Toulouse Lautrec (John Leguizamo - “Spawn”, “”Romeo + Juliet”) se encuentra la osada tarea de desarrollar una obra teatral que será tan magnifica e inigualable que solo puede ser titulada “Espectacular - Espectacular”. La obra será el centro de atención y debut teatral de la sala que hasta el momento se conoce como “Moulin Rouge”, principal burdel parisino y máximo exponente de la amalgamada estratificación social. En medio de todo este crisol, se propone la historia de amor más pura, sólida y arriesgada. Christian (Ewan McGregor - “Trainspotting”, “Episode I”), emigra desde su Londres natal, en busca del ambiente creativo propicio para obtener y desplegar sus dotes como escritor, pero sin proponérselo de antemano, encuentra el amor de manos de Satine (Nicole Kidman - “My Life”, “To die for”), la cortesana más importante de la ciudad.

Sinteticamente, esa es la trama y no es necesario dar más detalles sobre lo que sucede ya que lo importante no se encuentra fundamentalmente en la historia, sino en poder identificar los elementos conexos que mantendrán al espectador adherido a la butaca, deseando que la proyección nunca termine.

Desde un princio se ofrece una composición escénica de planos cortos y continuos de mucho colorido, similares a lo que puede ser una explosión sucesivas de fuegos artificiales. El mencionado recurso no permitirá al espectador descuidar ni un segundo su atención y lo mantendrá siempre “enchufado”. El color y la dinámica visual, hacen que el bombardeo no sea traumático y matizado con un recurso similar en lo auditivo - incluyendo infinidad de exitos de los '80 - por el contrario, produce una excelente internalización de los conceptos comunicacionales planteados por Baz Luhrmann (Director - “Romeo + Juliet”), quien sinceramente merece un parrafo aparte.

“Moulin Rouge, Amor en Rojo”, no es una película más y aunque muchos puedan adjudicarle sus recursos fílmicos a otros grandes directores de todas las épocas, solo Luhrmann fue capaz de proponer una amalgama de contenidos y medios cinematográficos capaces de no ofender, de no plagiar y de conseguir una producción de tan “fina estampa”. Tal vez, en mi posición de interlocutor, cometa el error y peque de sobervio al decir que “ésta será recordada como la mejor película del año”, pero veridicamente la sensación con la que saldrá de la sala es saber que el dinero fue bien invertido y que el producto fue excelente.

Es que en la tabla periódica del crítico, todos los elementos logran matizarse: un diseño de arte superlativo, logra reflejar la sensación de auforia reinante en una Francia pronta al cambio de siglo y de mentalidad artística, una fotografía deslumbrante, capaz de lograr ambientes escalofriantes, una banda sonora que quedará en el recuerdo de todo espectador, un mensaje que exalta quizás el mas preciado de los elementos, el amor, actuaciones sobresalientemente logradas, capaces de hacer emanar lagrimas y risas en fracciones de segundo, en definitiva, una composición completa, la mire por donde la mire.

Sebastián Montagna
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El Transportador

2009-07-12T15:37:00.000-07:00

EL TRANSPORTADOR
(The Transporter – 2002)
Dirigida por: Cory Yuen
Escrita por: Luc Besson y Robert Mark Kamen
Protagonizada por: Jason Statham (Frank Martin), Shu Qi (Lai), Matt Schulze (Wall Street), Francoise Berleand (Tarconi).
Distribuida por: 20th. Century Fox
Duración: 90 minutos
Estreno: 12 de diciembre de 2002

Frank Martin no pertenece a ningún sindicato, no cobra un sueldo fijo y prefiere no ser llamado simplemente cartero privado: él es el transportador. Ex militar por elección, vive bajo un riguroso código de conducta, que se ve reflejado en su trabajo por tres simples reglas: los tratos una vez cerrados no se modifican en ningún momento y por ninguna razón; no hay nombres; nunca ver dentro del paquete que se transporta. Aparentemente sencillo de seguir, lástima que el cine da para todo...

La sórdida introducción del filme, nos podría aventurar una notable carga de adrenalina hasta incluso presagiar una de esas películas de acción, bien sustentables. Lamentablemente con el correr de los minutos, para los más exigentes, esos deseos se ven notoriamente frustrados y lo penoso no se encontrará en las interpretaciones, como suele suceder normalmente. La desilusión viene de la mano de otras de las razones más comunes del stablishment cinematográfico: si señores, el guión.

La trama presenta cinco minutos iniciales que son una embestida de efectos visuales, sonoros y excelentes coreografías, en lo que termina componiendo una de las mejores persecuciones automovilísticas jamás filmadas. En el desarrollo, el protagonista demuestra con creces, que la película se encuentra casi privativamente justificada, para mostrar sus dotes de nuevo héroe. Situaciones de combate cuerpo a cuerpo y armadas, son tan ocurrentes como notablemente filmadas y entretienen sin faltar el respeto. Por otro lado, se nota que los poderosos de Hollywood y sus asociados europeos proponen a viva voz, a cuanto reemplazo pueden, para los ya consagrados Arnold y Sylvester, que dicho sea de paso, hace un largo rato no pegan un hitazo.

Todo los ingredientes de esta ensalada llamada El Transportador, nos exhibe como un director oriental es capaz de filmar en occidente y nos sigue metiendo, de a poquito, lo que ya se ha vuelto una constante de los últimos años: el cine de acción asiático, aquel que tuvo su primer exponente con el legendario Bruce Lee, llegó para quedarse y no se quiere ir. Por otro lado, es doloroso que no pongan un poco mas de empeño en sustentar las tramas y las formas de justificar ciertas actitudes de los personajes, que sinceramente podrían evitarse.

Sebastián Montagna
© Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción.

El Señor de Los Anillos: La Comunidad de Anillo

2009-07-12T15:29:00.000-07:00

EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: LA COMUNIDAD DEL ANILLO
(The Lord of the Ring: The Fellowship of the Ring – EE.UU., 2001)
Guión de: Fran Walsh y Philippa Boyens
Dirigida por: Peter Jackson
Protagonizada por: Elijah Wood (Frodo Bagins), Ian McKellen (Gandalf), Viggo Mortensen (Aragorn), Sean Astin (Sam Gamyi), Liv Tyler (Arwen), Billy Boyd (Pippin), Dominic Monaghan (Merry), Ian Holm (Bilbo Bagins),
Orlando Bloom (Légolas), Christopher Lee (Saruman), Cate Blanchett (Galadriel), Sean Bean (Boromir), John Rhys-Davies (Gimli) & Hugo Weaving (Elrond).
Distribuida por: 20th Century Fox
Duración: 170 minutos
Estreno: enero de 2002

Hacía tiempo que una película no se demoraba tanto. Las expectativas fueron tal vez, más amplias que con la saga de Star Wars. Miles de fanáticos hicieron colas, compraron entradas anticipadas y realizaron un sin fin de conjeturas, sobre lo que podía resultar de la puesta en escena del denominado, en gran parte del mundo lector, como el “libro del siglo”. Al fin llego el momento de correr el telón; Houdini no tuvo más alternativa que develar sus secretos y de la mano del talentoso Peter Jackson, J.R.R. Tolkien siente, desde el otro mundo, que su obra logró entidad propia y se materializó.

La Tierra Media, escenario recreado cientos de miles de veces en la imaginación del lector, encontró una ubicación geografica y terrenalidad. Frodo Bagins – como se dice originalmente – Gandalf y Aragorn, tomarón entidad corporea y vagan por Hobbiton, Bree, la Posada del Pony Pisador, Rivendel y las Minas de Moria, con destino fijo en el Reino de Mordor e inmersos en la historia épica del siglo XX. El anillo, ese uno que los encontrará y gobernará a todos, nunca fue tan reluciente y dorado como en esta oportunidad.

Solo podía enconmendarse la tarea de dar forma a esta osada empresa, a alguien sumamente dotado y no solo eso, también debía ser atrevido, ya que calmar las ansias de los fanáticos no sería tarea fácil. Peter Jackson aceptó el desafío y emprendiendo algo nunca visto – rodar tres producciones, las tres partes, al mismo tiempo – logra mantener una idea coerente y ordenada de lo que pretendía hacer: conformar al público, deslumbrar a la audiencia, aportar su visión de la Tierra Media, demostrar sus cualidades como visionario y facturar miles de millones.

Uno de los desafios más importantes, era la caracterización de cada uno de los personajes y muchos no estuvieron de acuerdo, al momento de conocer el reparto. Pero nunca más adecuada la frase “ver para creer”. Sinceramente, la personificación y la dramatización individual, aportan el grano de arena necesario a la producción y aunque muchos puedan dudar de las capacidades de los participantes, todos cumplen adecuadamente con su rol. Elijah Wood, propone a un Frodo muy simpático y sumamente creible, siempre cercano a lo que se narra desde la novela, ayudado obviamente por los avances tecnológicos que le otorgan baja estatura, manos, pies y bellos según la descripción literal de un Hobbit. Ian McKellen despliega su abanico y demuestra una vez más sus capacidades de actuación interpretando al Gandalf que todos soñamos e imaginamos alguna vez. Y hasta Viggo Mortensen, está a la altura del Aragorn, hijo de Arathorn, que lleva sobre su espalda la facultad de reclamar el trono y liberar a su pueblo. Hasta aquí los personajes centrales, pero aunque más no sea, vale la pena resaltar la participación de todos los involucrados, por esto la inclusión en los titulos, de cada uno de los participantes.

Hay más ingredientes para resaltar desde la cocina. Jackson, sabiendo que el presupuesto era generoso, se rodeo de excelentes profesionales y sabiendo que debía cuidar cada detalle, tuvo como prioridad encontrar aquellos escenarios naturales que representaran fielmente lo descrito por J.R.R.. Por tal motivo uno de los puntos más elevados de la producción se los lleva dirección de producción y la dirección de fotografía, que bajo la supervisión de Grant Major y Andrew Lesnie, respectivamente, se merecen bastante más que un 10 felicitado. Las locaciones naturales encontradas en Nueva Zelanda, no podrían haberse prestado mejor para tal evento, hasta parece que se ubieran creado justamente para el desarrollo de la producción, todo un logro.

Si había que encontrar una razón por la cual la adaptación de tan renombrada novela se hizo esperar, seguramente podriamos coincidir con que aún no se encontraba, el cúmulo de avances tecnológicos, que la industria de los efectos visuales y sonoros, desarrolló durante el último cuarto del siglo XX. Finalmente y cual conjuro enarbolado por el baston de un poderoso hechicero, los FX se prestan y sirven como artilugio para la mano del creador. Como un destello mágico, aportan, no solo a las ascenas, sino a los personajes y a las ambientaciones, todas las características necesarias para narrar una historia fantástica de aventuras, coraje, entrega y amistad; sirve para demostrar visulamente la diferencia precisa entre el lado bueno y el malo, el brillante y es oscuro, el adecuado y el equivocado.

Es que de eso se trata la obra global. A partir de sus descripciones, antes literarias, ahora visulaes, se extraen los motivos por los que ha cautivado - y lo sigue haciendo - a tanta gente: El Señor de los Anillos en sus tres versiones – La Comunidad del Anillo/Las Dos Torres/El Retorno del Rey – se asemejan, aunque de manera novedosa a la novela caballeresca, recitada por los juglares de la edad media y si le agregamos el aporte valiente, de un director con libertad suficiente – porque Jackson la tuvo en sus manos y la aprovechó - para volar en sus sueños, la mezcla es explosiva. Podrá objetarse que a raiz de su participación, la película no siga cronologicamente la literalidad de la obra original o que la importancia de algunos personajes haya crecido o disminuido, pero jamás se le podrá objetar que las intensiones fueron loables y el producto resultante es de una categoría superior.

Grandes expectativas conllevan un sinumero de exigencias. Para los miles de aficionados y lectores al rededor del Globo, esas condiciones no fueron menores y seguramente la aguda persepción de todo aquel que sea fanático – o no - de la Tierra Media y sus habitantes, está sincronizada para encontrar el mínimo error y desacreditar la producción. Pero Tolkien debería sentirse honrado, en cualquier lugar donde pueda ver una proyección de la cinta; el homenaje es correcto y a la altura de la literatura, que supo desplegar durante su vida mortal. A partir de aquí, se ira incrementando una corriente que ya es dificil de parar. A partir de aquí, nuevas generaciones irán agregándose a la manada y colaborando para enaltecer el mito. A partir de aquí, solo queda esperar la próxima secuela, prontos a descubrir si, al igual que ésta, se encuentra a la altura de los acontecimientos.

Sebastián Montagna
© Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción.

Minority Report: Sentencia Previa

2009-07-12T15:20:00.000-07:00

MINORITY REPORT: SENTENCIA PREVIA
(Minority Report – EE.UU. - 2002)
Dirigida por: Steven Spielberg
Escrita por: Scott Frank y Jon Cohen
Basada en el cuento de: Philip K. Dick
Protagonizada por: Tom Cruise (John Anderton), Colin Farrell (Danny Witwer), Samantha Morton (Agatha), Max Von Sydow (Lamar Burgess), Kathryn Morris (Lara Clarke), Tim Blake Nelson (Gideon) & Peter Stormare (Dr. Eddie).
Distribuida por: 20th. Century Fox
Duración: 142 minutos
Estreno: 01 de agosto de 2002

La inseguridad es moneda corriente en la sociedad actual, dentro de la santa e imperturbable “aldea global”. El Trade World Center, los atentados diarios en Jerusalén y sin ir tan lejos, los continuos actos de violencia y vandalismo que se viven dentro del “virreinato del Río de la Plata”, hacen que la ilusión de una realidad sin crimen sea difícil de contemplar, por lo menos en lo inmediato.

Pero llegado el año 2054, la humanidad tendrá una pequeña esperanza. La unidad especial de Precrimen del Departamento de Justicia, se encuentra planamente activa y a prueba en Washington D.C. desde hace un par de años, en los cuales no se ha registrado un solo asesinato. Uno de sus mentores y agente estrella, John Anderton – Tom Cruise -, confirma su orgullo por el funcionamiento de la unidad, de la cual solo puede expresar “funciona” como leit motive, con la intención de que finalmente se apruebe la ley por la cual, el sistema se imponga a nivel nacional.

El procedimiento en si, se basa en el funcionamiento de tres seres suprahumanos denominados Precogs – apócope de precognitivos – quienes a raíz de una alteración genética espontánea y congénita, experimentan visiones sobre hechos futuros, con un grado de precisión inexplicable, descartando cualquier margen de error posible sobre el potencial crimen. Esas visiones determinan la hora exacta del hecho y las partes intervinientes, pero no el lugar donde se desarrollará el suceso y es ahí donde el Jefe Anderton se destaca. El manejo de un complejo software, hace que el trabajo detectivesco sea mas veloz y una vez que el predelincuente sea apresado por el futuro crimen, acelere el proceso judicial pasando automáticamente al encierro dentro de un presidio tipo invernadero.

OK, hasta aquí todo cierra: un sistema seguro, un agente ultra eficiente, una sociedad controlada, una visión de futuro prominente. Entonces, ¿que desencadena la trama? Pues bien, el jefe Anderton, máximo exponente de la elite policíaca, se ve involucrado en la visión de un hecho que acaecerá dentro de 36 horas, por el cual infringirá la ley y del que deberá hallar su reporte minoritario para demostrar su inocencia.

Está bien, es comprensible que a esta altura cualquier lector se sienta exhausto por tanto bagaje informativo o crea que se ha contado la mayor parte de la cinta, pero nada más alejado de la realidad. Sincerando esta humilde opinión, lo expresado es solo una vaga introducción – aunque podría ser más extensa y puntillosa – a una producción de cual el espectador no deberá perder pisada.

Sentencia Previa , es mas que una simple película pasatista de ciencia ficción y en tal sentido, vale afirmar que es una gran obra de SciFy, alejada de aquellas historias de naves espaciales y extraterrestres de lejanas galaxias, presentando un mundo cercano, terrenal, palpable y potable para cualquier mortal.

Finalmente se reunieron: Steven Spielberg y Tom Cruise, lo venían planeando hace tiempo y su espera no fue en vano. Sabían que la unión debía traer algo sobresaliente, algo que impactara, algo que dejara huellas en las retinas de los cinéfilos y no es erróneo aseverar que para aquellos abiertos de mente, esta podrá ser una de las 5 películas pochocleras del año. Pero no solo de diversión vive el cinéfilo.

Desde un aspecto más abarcativo, la fina estampa del director de La lista de Schindler, se expone y sale a reflejar la afrenta sobre aquel sector de la crítica que no supo comprender su producto anterior Inteligencia Artificial (2001). Cada uno de los detalles visuales, auditivos o dramáticos, se encuentran puntillosamente custodiados, para entregar un producto sin aristas filosas. De más está afirmar que los elementos técnicos y los recursos de fx, sean superlativos; destacable es el hecho de presentar una faceta dentro de la sociedad altamente controlada por avances tecnológicos creíbles y de los cuales, solo el futuro tiene respuesta.

Desde cualquier aspecto, el film tiene justificación. Algunos podrán decir que Tom Cruise es un actor limitado – faceta no compartida – o que solo se adecua muy bien a los roles de héroe de acción, pero hasta en este sentido, la participación del siempre joven Tom “Top Gun”, desprende una gran profesionalidad y un auténtico trabajo de dirección, haciendo que su personaje sea el eje central de una complicada trama. Corona de laureles para uno.

La trama, historia o guión, es todo un punto a tocar. La adaptación de la misma debe haber dado un serio dolor de cabezas a los escritores, porque es entendible que narrar silábicamente pueda ser mas accesible, pero plasmar visualmente semejante proyecto no debe haber sido tarea fácil y sin embargo, todo está listo para ser visto en la sala más cercana a su domicilio.

Finalmente, vale afirmar que Sentencia Previa, es una película para ver mas de una vez y de la cual, cada vez que uno se exponga a la influencia del celuloide, extraerá mas detalles, desmenuzará más elementos y deseará volverla a ver porque la sensación será: seguro que me perdí algo.

Sebastián Montagna
© Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción.

Desde el Infierno

2009-07-12T15:10:00.000-07:00

DESDE EL INFIERNO
(From Hell – EE.UU. - 2001)
Escrita por: Terry Hayes y Rafael Yglesias
Basado en el comic de: Alan Moore y Eddie Campbell
Dirigida por: Allen y Albert Hughes
Protagonizada por: Johnny Deep (Fred Abberline), Heather Graham (Mary Kelly), Ian Holm (William Gull), Robbie Coltrane (Peter Godley), Jason Flmyng (Netley).
Distribuida por: 20th. Century Fox
Duración: 120 minutos
Estreno: 7 de marzo de 2002

Basada en la magnifica obra grafica de Alan Moore, largamente elogiada y conocida por los amantes del comic y tomando elementos fidedignos de la historia real, es que los hermanos Allen y Albert Hughes, habren una vez más las puertas del submundo reinado por el que sabe mas por viejo y dejan escapar por unas horas a uno de sus mas brillantes discipulos. La leyenda de Jack “el destripador”, es vox populi desde hace más de un siglo; su misteriosa personalidad ha sido tema de estudio por un sinumero de profesionales y cientos de teorias se manejan sin llegar a ninguna deficnición.

En esta oportunidad, la particular visión de los directores ha tomado algunas de las hipotesis sobre su personalidad y teñidos de un tono dark – del cual John Smith (The Cure) se sentitía orgulloso – matizando sorprendentes tonos bermellón y esmeralda, crean una atmosfera que mantendrá en situación tensa a todo aquel que se permita regresar por el lapso de dos horas, un siglo en la historia.

Es elogiable la manera en que la producción se esfuerza no solo por entretener, sino por realizar una contribución, corriendo el telón de una época tan alejada. Es sorprendente y sumamente creible la acertada visión que se ha impreso a una sociedad inglesa sumida en la pobresa y la corrupción. Un gobierno monárquico capaz de realizar los mas terribles actos de bandalismo – sin siquiera revisar el listado de derechos humanos – con tal de limpiar el sucio manto de la Familia Real. De alguna manera intentan y también logran desmitificar la idea de que las mafias son inventos peninsulares mas ligados al Mar Mediterraneo y en cambio muestran un submundo londinense de fines de siglo XIX, muy bizarro y semejante a cualquier circuito ligado a la prostitución under.

Las transiciones entre escenas, ligadas a sueños narcoticos de un poco ortodoxo detective londinense, hacen de la delicia del morboso paladar de aquellos quienes, no satisfechos por ver un thriller ingresen a la sala en busqueda de una terrorifica proyección, porque en verdad también podría otorgarsele ese atributo, el de ser una producción que matiza tintes clasicos del terror, novela policial y romance – personalmente innecesario – llegando a un híbrido que no defraudará al espectador.

Ya se comento someramente sobre la ambientación de época, la cual no me cansaré de elogiar. La excelente puesta en escena y la sobervia dirección de arte, muestran el suburbio londinense de Whitechapel, donde cronologica y veridicamente, ocurrieron los hechos, con de precisición y detalle sorprendente, mostrando una dedicación sobresaliente, obteninedo reproducciones geográficas calcadas de las originales. Teñidos de un intenso rojo sangre, cada una de las muertes, merece ser destacada. En cada caso, cada una fue minusiosa y cuidadosamente estudiada y reproducida a la perfección – impresionables abstenerse – para salvar el alma de su realizador original, si es que alguna vez pudo encontrar salvación.

De más está decir que a esta altura Johnny Deep no tiene nada que demostrar. Su larga trayectoria en peliculas que con el tiempo se calificarand e clásico, le dan el prestigio y la chapa necesaria. Desde los carteles, su participación pinta como la figura axclusiva, el gancho atrayente del filme y podriamos acordar que el giro comercial tiene gran parte de verdad en este sentido, pero favorablemente y sin desmerecer su actuación que logrados lauros posee, para la película no es la participación de esta mega estrella el factor decisivo para destacar. Teñidos de un casi insoportable tono británico, las participaciones de Heather Graham y Robbie Coltrane – que ya se canso y nos canso de ser el gordo amigo Hagrid de H.P., no piense mal: Harry Potter – dan un marco referencial adecuado y acompañan sin desentonar. El punto mas importante en este sentido y quizás uno de los aplausos mas sostenidos para este axcelente casting, es haber tenido la valentía de haber incluido al ya concido Ian Holm – por si no lo reconoce, Bilbo en El Señor de los Anillos – en un papel y una posición arriesgada dentro de la trama. No se hable más, vea y disfrute; solo comentarle que los últimos 5 minutos de actuación de esta diminuta personalidad, arrojarán de lado todo intento furtivo de protagonismo, por parte de cualquier integrante del reparto.

Para aquellos lectores del comic original, varias diferencias – comentadas a este cronista por conocedores fidedignos – serán rechazadas, otras en cambio, harán gala de todo su encanto y les brindarán la sensación de que la resolución visual de algunos elementos gráficos, han llegado a buen puerto. Para aquellos detectives aficionados, las teorías criminales están presentes y los elementos deductivos se presentan para hacer trabajar sus neuronas. Para aquellos que simplemente pretenden pasar un rato entretenido, gozando de una buena pelicula e inviertiendo los pocos pesos destinados al esparcimiento, la inversión será bien recordada.

Sebastián Montagna
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Codigos de Guerra

2009-07-12T14:53:00.000-07:00

CODIGOS DE GUERRA
(Windtalkers – EE.UU. - 2002)
Dirigida por: John Woo
Escrita por: John Rice y Joe Batteer
Protagonizada por: Nicolas Cage (Joe Enders), Adam Beach (Ben Yahzee), Christian Slater (Pete Anderson), Roger Willie (Charlie Whitehorse), Peter Stormare (Hjelmstad), Noah Emmerich (Chick), Mark Ruffalo (Pappas), Brian Van Holt (Harrigan) y Frances O’Connor (Rita)
Distribuida por: 20th. Century Fox
Duración: 133 minutos
Estreno: 12 de septiembre de 2002

Toda historia que se precie de serlo, merece ser contada y en tal sentido, seguramente encontrará su público sin ningún tipo de problemas. Códigos de Guerra cuenta la historia de dos aborígenes norteamericanos - dentro de los cientos - que fueron reclutados, durante la Segunda Guerra Mundial y utilizados como comunicadores dentro del ejercito, a partir de un lenguaje indescifrable basado en su idioma de origen, el navajo. Gracias a la pericia de esos aguerridos combatientes, Norteamérica logró ganar varias posiciones dentro de un frente que se les presentaba adverso y que finalmente solo pudieron someter con el lanzamiento de las conocidas bombas sobra Hiroshima y Nagasaki.

En realidad, hubiera sido coherente que la producción se hubiera planteado de esta manera y tal vez se podría haber logrado un filme más que interesante, pero la realidad escapa un poco de estas expectativas y francamente la notable travesía de esos indios se ve camuflada dentro de la novela melodramática de un soldado norteamericano (Nicolas Cage), que luego de perder todo su batallón en una traumática misión, le es asignada la tarea de proteger al código cueste lo que cueste.

A partir de estas premisas, nos encontramos con el típico film al que John Woo nos tiene acostumbrado y viéndolo desde esa óptica no puede reprochársele nada. Las situaciones bélicas son un despliegue inconmensurable de explosiones, disparos, vuelos rasantes y muertes sangrientas; se recomienda para los fanáticos del género concurrir con chalecos o delantales para proteger su atuendo. La edición de efectos de sonido no tiene desperdicios, incluso admitiendo que por momentos puede crear movimientos sísmicos debajo de la butaca. Pero si solo debemos tomar estos como los elementos destacables dentro de la película, no alcanzan para sostener un final sumamente predecible, incluso para los menos experimentados.

Por otro lado, decir que una producción es mediocre solo por estas pautas, puede sonar pedante, por eso mismo, es recomendable a los espectadores, agudizar la vista, la memoria y seguramente podrán resaltar elementos que son habituales en las manufactura de Hollywood. En el recorrido de la trama, se observan situaciones de comicidad forzada, introspecciones que no llegan al clímax esperado y un exacerbado sentimiento nacionalista que llevará a los protagonistas a salvar sus diferencias e inesperadamente los llevará a la victoria a través de la inmolación.

Es entendible que luego de los hechos lamentables ocurridos durante el pasado año – S11 – el pueblo norteamericano necesite una fuerte inyección de nacionalismo, lo que inequívocamente lograra, pero no puede negarse que las corrientes actuaciones de dos consagrados como Cage y Slater y la mano avezada de Woo como director de acción, puedan entregarle al rodaje todas las ventajas para ser un éxito al rededor del Globo.

Sebastián Montagna
© Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción.

Amor Ciego

2009-07-12T14:45:00.000-07:00

AMOR CIEGO
(Shallow Hal – EE.UU. - 2001)
Escrita por: Sean Moynihan, Peter & Bobby Farrelly
Dirigida por: Bobby & Peter Farrelly
Protagonizada por: Jack Black (Hal), Gwyneth Paltrow (Rosemary),
Jason Alexander (Mauricio), Joe Vitelli (Steve Shanahan), Bruce McGill
(Reverndo Larson) & elenco.
Distribuida por: 20th. Century Fox
Duración: 110 minutos
Estreno: 18 de febrero de 2002

Claramente reconocemos que vivimos en una sociedad que ha ido modificando los estándares de belleza a lo largo de la historia. En la Edad Media, una mujer con naturales vellosidades y una figura ampliamente fornida, llegaba a ser identificada como estéticamente perfecta. A mediados de siglo pasado, aquellas robustas rubias de Hollywood, hacían delirar y convertir en lobos a la platea masculina. Hoy en día, los medios de comunicación y por consiguiente los mortales como Hal - Jack Black, High Fidelity - , nos dan la media de los que podríamos llamar belleza: delgada – al borde de la anorexia – estilizada – casi esculpida – y como consecuencia lógica de su distinción, histérica – suavizado, con un carácter muy especial -.

El universo de Hal puede resumirse en pocos elementos: su trabajo, su amigo del alma y la búsqueda desesperada de una mujer que reúna todos los requisitos de la mujer perfecta. Como se ha descrito anteriormente, la empresa nos es nada fácil, máxime si tenemos en cuenta que la pincelada divina que le toca en suerte ha sido escueta y los atributos que declara a simple vista, no lo favorecen demasiado. Pero gracias a un encuentro fortuito y un cambio de perspectiva muy insólito, su suerte tomará un giro inesperado y finalmente cambiará para mejor... ¿o no?

De la mano de los hermanos Bobby y Peter Farrelly – parece que los clanes de hermanos se han puesto de acuerdo en estrenar durante la primera etapa del año productos interesantes – llega esta pintoresca tragicomedia romántica, que hará el deleite de la cineplatea. Ahora bien, con solo decir esto no basta y como deben esperar impacientes, es compromiso de quien escribe justificar debidamente el por qué de sus dichos.

En principio, es sabido que los Farrelly han hecho algo de lo bueno – Kingpin, There’s something about Mary – y algo de lo no tan bueno – Dumb and Dumber, Me, Myself and Irene –, lo comprensible es saber que el dinero recaudado y haber pagado el derecho de piso bien vale la pena. En esta oportunidad, Shallow Hal no es una simple comedia al estilo de las anteriores; desde sus raíces, puede notarse que tiene una marcada intención de trasmitir un mensaje, una fuerte voluntad de explicar que todo aquello que el medio audiovisual – incluso el mismo cine – pretende vender e imponer como bello y estético, puede no serlo. Para nuevas generaciones de adolescentes, indudablemente el publico al cual apunta la producción, deja una brecha entreabierta entre lo que es y lo que en realidad debería ser. En definitiva, una puerta abierta a aquello que siempre repitieron los padres a ultranza: “la verdadera belleza se encuentra en el interior”.

Para manifestar un mensaje tan importante como éste, el film se nutre de un extraordinario elenco y de manera destacada se plantea un efectivo contrapunto entre Black y uno de los comediantes más ácidos que ha dado la televisión norteamericana. Jason Alexander, quien ha sabido dejar protagonismo al representar, generalmente, papeles secundarios – incluso en Seinfeld (TV) – incluye su cuota de humor tan particular y logra, junto al protagonista, una serie de diálogos, que compuestos de manera estupenda, seguramente identifiquen a más de un racista adiposo y desprendan sendas carcajadas.

Excluyentemente, uno de los méritos de la producción, debido sin duda a la confianza que han depositado en su persona, es la actuación sobresaliente de la blonda y esbelta Gwyneth Paltrow – The Talented Mr. Ripley, Seven, Great Expectations, Shakespeare in love – quién en la ancha piel de Rosemary, deja de manifiesto que no es solo una cara bonita. Cada uno de los detalles que componen el personaje, gestos, muecas, modos y hasta la mirada, hacen posible ver esa personalidad reprimida y falta de afecto en una persona que para los ojos de Hal, nunca han faltado. Y francamente, Gwyneth, hace lujo de su belleza y demuestra que en el fondo, también es obesa, pero su exceso no es de materia adiposa, es de talento. Talento que seguramente nos sorprenderá en su próximo estreno: The Royal Tennembaums. La efectividad de los Farrelly parece manifestarse en lograr que dulces e intocables musas, dejen sus hábitos en pos de convertirse definitivamente en actrices. Lo hicieron con Cameron Diaz, volvieron a hacerlo con Gwyneth.

En resumidas cuentas, no será un clásico de todas las épocas y difícilmente alcance los decibeles de There’s something about Mary y esto es solo simplemente porque la novedad ya no juega como carta de presentación, de otro modo y en otro tiempo, bien podría prestarse a marcar una época. Su mérito es reconocer y no olvidar que más allá de una obra básicamente humorística, se esfuerza poderosamente por mostrar un mensaje encubierto entre tanta solfa, una señal distintiva, algo que la identifique y llegue a un receptor ávido de buenas intensiones.

Sebastián Montagna
© Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción.

El Triunfo del Espiritu - Antwone Fisher

2009-07-12T14:34:00.000-07:00

EL TRIUNFO DEL ESPIRITU – ANTWONE FISHER
(Antwone Fisher – EE.UU. 2002)
Dirigida por: Denzel Washington
Escrita por: Antwone Fisher
Protagonizada por: Derek Luke (Antwone Fisher), Denzel Washington (Jerome Davenport), Joy Bryant (Cheryl), Salli Richardson (Berta Davenport).
Distribuida por: 20th. Century Fox
Duración: 117 minutos
Estreno: 29 de mayo de 2003

Una infancia problemática, la adolescencia inmersa en situaciones difíciles de asimilar y por último la auto superación frente a las adversidades, son temas que se han tratado en cientos de filmes a lo largo de toda la historia del 7º arte. Por lo expresado sería totalmente valido decir que dentro del género dramático debería inventarse un subgénero, al que me permito identificar como “historias de vida”.

Podrán categorizarla de cientos de maneras distintas pero El triunfo del espíritu es eso, una historia de vida que gracias a la mirada acertada del debutante director y versado actor Denzel Washington, llega a las salas argentinas con un mensaje de esperanza, que bien vale la pena tratar entender.

Lo interesante del filme es que en su temática se tocan cuestiones muy duras, que el personaje central experimenta a lo largo de su corta vida. La orfandad, la soledad del espíritu, la familia, el abuso físico y psicológico, son tratados desde una óptica adecuada, madura, sin prestarse a golpes bajos y dentro de un tono muy respetuoso, que el propio protagonista narra desde el guión y que el director sabe interpretar.

Desde esa perspectiva, se puede entender el por qué la película debería ganar adeptos: el filme desde todo punto de vista se presta para el espectador, aunque no haya experimentado ese tipo de vivencias, se identifique con los personajes y logre una conexión muy particular, vibrando con cada secuencia, sintiendo cada lágrima o compartiendo cada sonrisa.

Un elogio muy particular es el que merece Robi Reed-Humes, que aunque solo figure en las gacetillas de prensa como un nombre, quien tuvo la capacidad y el ojo profesional suficiente, seguramente junto a los productores, como para jugarse a seleccionar a casi dos desconocidos para los roles principales, y que lograron una química destacable en escena. Derek Luke, que antes de asumir el papel de Fisher, solo había aparecido fugazmente en algunas series televisivas, compone un papel muy bien logrado que conjuntamente con la modelo devenida actriz, Joy Bryant, desarrolla una transición de género muy aceptable.

Es justo establecer en este punto que, luego de haber obtenido la preciada estatuilla el año pasado y luego de recorrer un largo camino, que lo llevo a ser esclavo, policía y hasta abogado, Denzel Washington se decidió a tomar las riendas de una producción y asumió la mayor responsabilidad, la silla principal. Seguramente de no haber contado una historia con protagonistas afro americanos, el filme se podría asimilar al estilo de películas por las cuales Robert Redford es propenso y a las cuales Washington debe haber tenido en cuenta, ya que la poética y la filosofía que el filme maneja, es de una fina factura y bien lo demuestra al proyectarse el celuloide.

Antwone Fisher podría ser una producción que fácilmente pasará inadvertida ante la plaza comercial, seguramente por el bajo presupuesto y la poca difusión, pero no sería del todo justo dejarla madurar sin darle una oportunidad. Se lo ha ganado.

Sebastián Montagna
© Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción.

La Liga Extraordinaria

2009-07-12T14:25:00.000-07:00

LA LIGA EXTRAORDINARIA
(The league of extraiordinary gentelmen – EE.UU. 2003)
Dirigida por: Stephen Norrington
Escrita por: James Dale Robinson
Protagonizada por: Sean Conery (Allan Quatermain), Nasseruddin Shah (Cap. Nemo), Peta Wilson (Mina Harcker), Tony Curran (Rodney Skiner), Stuart Townsend (Dorian Gray), Shane West (Tom Sawyer), Jason Flemyng (Jeckyll/Hyde), Richard Roxburgh (M).
Distribuida por: 20th. Century Fox
Duración aprox.: 100 minutos.
Estreno: 11 de septiembre de 2003

Los cambios de centurias, suelen presentarse como un vértice en los flujos de la historia. Suicidios en masa, falsos profetas que predicen el fin de los tiempos y sobre todo muchas esperanzas de que lo que venga, sea mas provechoso de lo que se deja atrás, pudieron ser elementos comunes que se experimentaron cada una de las distintas épocas. Pero el fin del siglo XIX no sería uno mas ya que una fuerza desconocida, pretende que ese cambio de siglo no sea uno mas, sino el último para el mundo libre...

Basada en la novela gráfica de Alan Moore y Kevin O’neil, La Liga Extraordinaria – o La Liga de Caballeros Extraordinarios, como debería haberse titulado en realidad – reúne en sus filas, a algunas de las más particulares figuras de la literatura, proponiendo para los fanáticos una adaptación del comic que se interpretará con reservas, aunque sin embargo, luego de marginar algunos baches narrativos, el filme se sostiene constantemente en una devenir de adrenalina que hará su visión en pantalla grande, una de las más recordables del año.

A nivel argumental, no puede decirse que sea una de las producciones mas logradas del año. Para ser mas claro, el espectador no debe pretender concurrir a la sala a ver una profunda novela psicológica, que ponga de manifiesto una crítica a las facciones liberales que pretenden dominar el mundo, utilizando la política de libre mercado como escudo protector – cuando vean la película, entenderán por que -, porque simplemente, ese no es el objetivo primario del filme... Esta vez, los pochocleros están de parabienes, ya que seguramente serán los que más la disfruten.

Casi desde el inicio, un presente sombrío que tiñe el cambio de siglo, permite sumergirse en una atmósfera que muy pronto estará cubierta de disparos, persecuciones, explosiones, ciudades que se derrumban, mortíferas batallas y miles de millones de efectos visuales – algunos muy burdos en mi humilde opinión -.

Nuevamente, como parece ser característica indispensable en este tipo de género, las mejores interpretaciones escapan de los grandes nombres y las amplias marquesinas. Son destacables las actuaciones de Peta Wilson, a la que sin dudas se le puede atribuir una de las mas logradas mujeres vampiro del 7° arte, la doble figura del Dr. Jeckyll y Mr. Hyde encarada por Jason Flemyng y el vanidoso Dorian Gray personificado por Stuart Townsend, que asistidos por una amplísima gama de efectos especiales, sobrellevan las características de sus papeles agraciadamente. Sobre Sir Conery, no me permitiré exponer un juicio de valor, los años sostienen su presencia en cualquier filme.

Lamentablemente pocos son los guiños que logran confundirse en una trama sin muchas sorpresas y aunque en varias oportunidades se pretende sacar a la superficie un hilo conductor vinculado al pasado, presente y futuro de los personajes, todo esto se ve empañado por la principal propuesta que el film tiene: entretener.

Sebastián Montagna
© Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción.

Camino a la Perdición

2009-07-12T14:18:00.000-07:00

CAMINO A LA PERDICION
(Road to Perdition – EE.UU. - 2002)
Dirigida por: Sam Mendes
Escrita por: David Self
Basada en la novela gráfica escrita por Max Allan Collins e ilustrada por Richard Piers Rayner.
Protagonizada por: Tom Hanks (Michael Sullivan), Paul Newman (John Rooney), Jude Law (Maguire), Daniel Craig (Connor Rooney), Stanley Tucci (Frank Nitti) Tyler Hoechlin (Michael Sullivan Jr.)
Distribuida por: 20th. Century Fox
Duración: 116 minutos
Estreno: 28 de agosto de 2002

Generalmente se estila decir, entre los conocedores del buen cine, que las segundas partes nunca son tan buenas como las primeras. También es sabido que todo paradigma está justamente creado con el objetivo de ser bajado de su pedestal y de esa manera, proceder a la creación de uno nuevo. Mi abuela siempre repite incansablemente: “para muestra, basta un botón” y a modo de ejemplo, dentro del séptimo arte, bien valdría nombrar Terminator 2: Juicio Final (Terminator 2: Judment Day, James Cameron. EEUU, 1991), producción que superó ampliamente a su predecesora y marcó una época.

En esta oportunidad no encontramos la segunda parte de otra película; sí la segunda producción de un director que, para su suerte, no tuvo que pagar el derecho de piso que exige Hollywood y nos deslumbró con su galardonada opera prima. Para quienes hayan pasado por alto toda ficha técnica, estamos hablando de Sam Mendes, quien de la mano de su Belleza Americana (American Beauty. EEUU, 1999), supo plasmar la compleja relación de una familia norteamericana, con la sensibilidad y frialdad suficiente, como para alzarse con el premio de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas – o el Oscar - en el año 2000.

Seguramente para la mayoría de los cinéfilos de raza, la incertidumbre de esperar un filme puede ser mortal. Para lograr un producto adecuado, el director se tomo su tiempo – nada menos que 3 años - en encontrar una historia lo suficientemente convincente, que mereciera ser llevada al celuloide y fue solo a través de una novela gráfica, mejor conocida por cómic, que el reto finalmente se planteó. Pero el desafío tenía otros condimentos: adaptar una secuencia estática al movimiento, lograr la ambientación adecuada, respetar la idea original, trasmitir las sensaciones que cualquier lector haya podido experimentar al leer la obra gráfica y sobre todo, no defraudar a una nueva generación de espectadores – suerte que no corrieron los “Shyamalomanos” reivindicados recientemente con Señales (Signs. EEUU, 2002).

Desde la óptica dramática, también Tom Hanks se enfrentó al duelo de componer un personaje poco tradicional dentro de sus parámetros. Esta vez no debe enamorar, no debe entretener, no debe ser ni el salvador ni el último hombre victorioso en la faz de la Tierra. Esta vez, debe enfrentarse con sus propios temores y encarnar al oscuro gangster Michael Sullivan, quién acosado por su propia “familia”, debe emprender raudo viaje para salvar la vida de su único hijo sobreviviente.

Enarbolar un halago frente al jefe mafioso de Paul Newman, sería casi una redundancia. Años de trayectoria avalan un desempeño mas que notable, para un veterano actor que todavía posee varios cartuchos dentro del tambor y de los cuales no pretende malgastar ninguno. Pero uno de los aplausos mas merecidos, se lo merece el ácido y cerebral papel que desarrolla Jude Law. Maguire, un matón a sueldo camuflado de fotógrafo free lance, es la pieza fundamental de un complot que tendrá destino incierto, pero determinante en la obra y que por otro lado, demuestra le permite demostrar la madurez artística por la que transita el notable actor inglés. El otro aplauso es para el juvenil Tyler Hoechlin, que en papel de Michael Sullivan Jr., hace su presentación el la pantalla grande y nos autoriza la felicitación hacia la empresa que desarrolló el casting.

Entrando de lleno en la producción, puede notarse que Mendes sabe bien de quien rodearse para lograr sus objetivos. Varias ópticas se entremezclan durante el desarrollo del filme: ingredientes de una road movie, la redención de un alma en pena y hasta elementos del cine negro de los años ’50, se combinan con la tecnología para lograr una trama sumamente atrayente y oscura. En tal sentido el rubro fotografía, consumado por el galardonado Conrad L. Hall – ganador del Oscar por el mismo rubro en Belleza Americana – logra matices sorprendentes, reflejando distintos momentos de la trama, de manera sorprendente y que son bien acompañados por una banda sonora muy característica, en este punto, dentro de la filmografía de Mendes.

También es de resaltar, el sutil influjo que producen los parlamentos a lo largo de la historia. Luego de ver la cinta, es fácil entender punto por punto, el por qué de cada palabra, de cada coma o de cada frase, la justificación de su ubicación dentro la película y la concordancia con los distintos estadios por los que evolucionan los personajes.

Al encontrarse con una obra como ésta, el cronista se plantea si es correcto establecer semejanzas y diferencias con realizaciones anteriores, aunque muy dentro se sabe que es algo imposible. Paradójicamente, el filme anterior del director, tiene la misma duración que su nueva obra. Nunca sabremos si esto ha sido un efecto buscado o mera casualidad. Lo que si se puede asegurar es que tanto esta vez, como la anterior, el producto es digno de ser observado con detenimiento, para luego sacar las conclusiones; porque este es el tipo de película que más gusta: la que deja cientos de cosas dando vueltas en la cabeza. Todo un logro para estos tiempos.

Sebastián Montagna
© Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción total o parcial sin previa autorización.

Enlace Mortal

2009-07-12T14:05:00.000-07:00

ENLACE MORTAL
(Phone Booth – EE.UU. 2002)
Dirigida por: Joel Schumacher
Escrita por: Larry Cohen
Protagonizada por: Colin Farrel (Stu Shepard), Forest Whitaker (Cp. Ramey), Radha Mitchel (Kelly Shepard), Katie Holmes (Pamela McFadden), Kiefer Sutherland.
Distribuida por: 20th. Century Fox
Duración: 80 minutos
Estreno: 12 de junio de 2003

¿Qué haces cuando escuchas un teléfono público sonar? La respuesta a esta hipótesis es fácil de contestar. El mismo impulso del sonido haría que cualquier transeúnte instintivamente se abalanzara en su respuesta, aún sin saber de quién pueda tratarse y con la plena convicción de discernir que, ese llamado no tendrá ninguna relación con su persona. Pero ahondando un poco, la cuestión es algo mas compleja...

Para Stuart Shepard – Colin Farrel – esa llamada al azar, puede llegar a ser la última ya que su futuro, depende profundamente de las acciones que se desarrollen luego de levantar el tubo y emitir un simple “hola”. En tal sentido, no vale la pena contar nada mas sobre la trama, no porque no lo merezca, simplemente porque es más válido incurrir en la sala cinematográfica para descubrirlo por si mismos.

Enlace Mortal es más que un simple thriller. En su desarrollo se presentan cuestiones que se relacionan con la ética y la moral de las personas comunes; aquellos alejados de las grandes esferas; aquellos que pudiendo mantener una vida normal, se dejan impulsar por una sociedad que se ampara en un continuo desenfreno hacia un objetivo no definido y sin llegar nunca a descifrarlo concretamente.

El desarrollo presenta a dos contrafiguras que son el único sustento de los atrapantes 80 minutos que dura el filme. Por un lado, el hombre ataviado por su realidad, que busca la redención en manos de un salvador inusual que, además de la liberación del espíritu, le impone una expiación forzada a costa de su propia vida o la de sus seres queridos. Ronda dentro de este concepto, la idea del vengador anónimo que todo lo ve y todo lo registra. Aquel que sin llegar a ser un héroe, es un justiciero por mano propia y que caprichosamente, se inmiscuye en la vida del ciudadano común en busca de solucionar los problemas de la sociedad, pero sin darse cuenta de su propia infracción.

Además de los temas psico-sociológicos que desarrolla la producción y que pueden identificarse entrelíneas, la duración y la forma en que está filmada, hacen que todo sea mucho más accesible, porque justamente acerca al espectador al concepto del director. Enlace Mortal, es lo que se puede llamar – o por lo menos así me lo permito – una one scene movie, esto es: una película filmada casi íntegramente en un solo escenario, que por otro lado tiene la característica de ser sumamente cotidiano: cualquier calle céntrica que posea una cabina telefónica. Este condimento y que se desarrolle casi en tiempo real, hacen que la tensión de la trama no mengüe prácticamente en ningún momento. Pero no es el único elemento...

Colin Farrel, se está asentando cada día más en la pantalla grande y sinceramente puede catalogarse como uno de los mejores descubrimientos de los últimos años. Más allá de alguna malograda incursión – como En defensa del honor, junto a Bruce Willis – el impulso de las grandes Compañías – que lo colocaron en Sentencia Previa y Daredevil - rinde frutos, que pueden identificarse en su admirable desempeño dramático. La inclusión de Forest Whitaker y Katie Holmes son condimentos aceptables, aunque poco redundantes a la hora del balance general. Sin embargo, uno de los mayores aciertos del casting, se la lleva la intervención de Kiefer Suterland, quien con solo utilizar su voz, crea los climas acertados que cada situación requiere.

Desde el aspecto técnico, se reconoce una fuerte intención de comunicar la esquizofrenia cosmopolita, a través de un desenfrenado manejo de cámara y la utilización de planos superpuestos en la edición final – al estilo de la serie televisiva 24 - , brinda el ritmo adecuado a cada una de las secuencias.

En resumen, el teléfono está sonando, pero que nadie tenga miedo, la llamada trae buenos augurios para los cinéfilos.

Recien Casados

2009-07-12T13:45:00.000-07:00

RECIEN CASADOS
(Just Married – EE.UU. 2003)
Dirigida por: Shawn Lavy
Escrita por: Sam Harper
Protagonizada por: Ashton Kutcher (Tom), Brittany Murphy (Sarah), Chrisitian Kane (Peter Prentiss), David Moscow (Kyle) & elenco.

Distribuida por: 20th Century Fox
Duración: 98 minutos

Estreno: 3 de marzo de 2003

Sarah y Tom son lo que se deja ver en el título y como para no dejar nada librado al azar, la película cuenta sin rodeos, las desventuras que la pareja experimenta, en lo que pensaban sería la luna de miel más dulce de la historia...

Se puede criticar que la explicación del filme es sucinto y sin mucho brillo, se podrá pensar que motivos personales impulsan estas palabras, incluso imaginar mala predisposición del escribiente, pero es que la realidad demostrará, que esas críticas serían totalmente infundadas. En otras palabras: por más que tiren dardos sobre la foto de quien escribe, la proyección se torna deslucida, sin puntos altos y poco recomendable, para aquellos que se sientan en una butaca de cine y pretenden dejar de lado la frivolidad.

Bueno, bueno!!! ¿se justifica tanto palo entre las ruedas?... Desde una humilde postura, creo que si, pero tanta gravedad no sería completa si no tuviera una justificación coherente y por eso a las pruebas me remito.

Por un lado, la belleza de Brittany Murphy, fue partener de Eminem en su primera aparición para la gran pantalla, por el otro, Ashton Kutcher deslumbro con su personaje de Kelso en That 70th Show y mas tarde, entretuvo con las locuras que hizo en Hey! ¿Dónde esta mi auto?. Es decir, ambos son jóvenes talentos que se encuentran en pleno ascenso dentro del mainstream y no desaprovechan ninguna oportunidad de darse a conocer, lo que podría interpretarse como un grave error, cuando el único ingrediente participante es un buen presupuesto.

Es entendible que las comedias ligeras y el estilo humorístico de los hermanos Farrelly, sea un buen ejemplo para seguir y como suele decirse, copiando se aprende, pero en esta oportunidad las situaciones se suceden y francamente no sorprenden, no tienen vuelo ni brillo y terminan por sucumbir en medio de una historia que tiene el final rosa conocido por todos los cinéfilos, en todas las latitudes del globo. Como de costumbre: las intenciones sobran, los resultados no llegan a convencer.

Por demás, están descartadas todas las posibilidades de poder enarbolar un sentido de majestuosa lucha en busca del amor, enfrentando todos los contratiempos y los deseos de la suntuosa familia de la novia. Ni siquiera ese elemento tan sencillo se le puede atribuir. Recién Casados, es una de esas películas que termina siendo victima de su propia existencia y justifica su estreno por un mandato del dueño de la torta.

Sebastián Montagna
© Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción.

X2 (X-Men 2)

2009-07-12T13:30:00.000-07:00

X2
(X2 – EE.UU. 2003)
Dirigida por: Bryan Singer
Escrita por: Michael Daugherty y Dan Harris
Basado en la historieta gráfica de Stan Lee.
Protagonizada por: Patrick Stewart (Pf. Charles Xavier), Hugh Jackman (Wolverine/Logan), Ian McKellen (Eric Lensherr/Magneto), Hale Berry (Storm), Famke Janssen (Jean Grey), James Mardsen (Scott Summers/Cyclope), Rebecca Romijn-Stamos (Mystique), Brian Cox (Stryker), Alan Cumming (Kurt Wagner/Nightcrawler), Anna Paquin (Rouge), Kelly Hu (Yuriko Oyama/Deathstrike), Shawn Ashmore (Bobby/Iceman), Aaron Stanford (John/Pyro).
Distribuida por: 20th. Century Fox
Duración: 132 minutos
Estreno: 05 de mayo de 2003

Por decantación, una nueva generación de directores se hizo presente en los 90’ fruto de la década anterior. A partir de la creación de los canales musicales, los directores de video clips, se profesionalizaron y de a poco ingresaron en el dificultoso mundo de Hollywood y las superproducciones millonarias, siendo algunos de ellos, los responsables de excelentes productos comerciales y artísticos.

Brian Singer perteneció a este grupo y obtuvo el merito de realizar un arriesgado cross over con X-Men, allá por el 2000. Si bien su carrera como director en “las grandes ligas” había comenzado anteriormente, recordemos Apt Pupil (El Aprendiz), producción en la que también participó Ian McKeller, como el ex criminal de guerra nazi, en X2 manifiesta un estado de madurez, descriptiva y visual, que lo aleja de la promesa y lo asienta como una realidad muy cercana y palpable para los espectadores.

Pero para aquellos pochocleros, donde me incluyo por un momento, que esperaron tres años, la fecha ya no se hace esperar más y finalmente el secreto mutante se develó. Guepardo, Tormenta, Jean, Cíclope, el Profesor Xavier, Pícara y por primera vez Nocturno – nobleza hispana obliga – vuelven al ruedo, con una vibrante secuela que refleja el alma de la precursora, sostiene las esbeltas características visuales, anuncia una fuerte intención de ampliar los elementos relativos a la saga originaria, no escatima en gastos y vuelve a atribuir al producto una idónea entidad propia.

Siendo comprensiblemente sincero, sería una caradures establecer elementos coincidentes o disidentes entre X-Men y X2, por la simple razón de que objetivamente no pueden separarse. Cada una y casi lógicamente en forma reciproca, son causa y efecto de la otra. Si bien cada uno de las dos puede verse y comprenderse por separado – salvando pequeños preconceptos -, podría decirse que son casi como una formulación matemática: partes indivisibles de un mismo entero.

Por tales motivos, mencionar conceptos relacionados a las actuaciones de aquellos que repiten escena, sería redundar en elogios. Simplemente aludir a la memoria y señalar que siguen bajo la misma guía y con la misma suerte de sus interpretaciones anteriores. Si es acertado agradecer a la productora las presencias de Brian Cox (Stryker) y Alan Cumming (Kurt Wagner/Nightcrawler), quienes desempeñan una personificación correctísima. Por otro lado, la ronda de agradecimientos también debe hacerse extensiva, para aquellos que hayan tomado la decisión de dar el protagonismo y madurez al personaje Mystique interpretado por Rebecca Romijn-Stamos, quien esta vez puede demostrar que es bastante más que unas cuantas escamas, mucha pintura azul y un cuerpo escultural.

Desde el plano argumental, se puede observar una constante intención de mantener la atención del espectador, cosa que se logra desde el minuto cero. No logran identificarse altibajos en la cronología narrativa, por el contrario, todo el filme expresa esa tensión necesaria, recurrente en el género y que otros productos no han sabido sostener.

Dentro de los rubros técnicos y que muchas veces hacen que el espectador pueda salir de la sala obnubilado, deben destacarse la calidad en la edición de sonido y efectos sonoros que se presentan un forma superlativa, al igual que la edición propiamente dicha, siendo estos puntos elementos fundamentales en la presentación de este tipo de producciones.

En resumen, para aquellos que disfrutaron la edición original, no cabe duda que la opinión se mantendrá y consecuentemente agregará impotencia a la espera por su tercera parte. Significativamente, para aquellos que no corrieron esa suerte, bueno... creo que ya está todo dicho. Consejo: infaltable pasar por el hall central, adquirir los comestibles de turno y sentarse a disfrutar.

Sebastián Montagna
© Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción.

La Era de Hielo

2009-07-12T12:29:00.000-07:00

LA ERA DE HIELO
(Ice Age, EE.UU., 2002)
Dirigida por: Chris Wedge
Escrita por: Micheal Berg, Michael J. Wilson & Peter Ackerman.
Protagonizada por: (Versión Subititulada) Ray Romano (Manny), John Leguizamo (Sid), Denis Leary (Diego), Goran Visnjic (Soto), Jack Black (Zeke) y Tara Strong (Roshan). Chris Wedge en los ruidos de Scrat.
Distribuida por: 20th. Century Fox
Duración: 81 minutos
Estreno: 11 de julio de 2002.

La industria del CGI - en lenguaje mortal animación por computadora – hizo su aparición con los monumentales dinosaurios de Steven Spielberg y el T-1000 de James Cameron a principios de la década del ‘90. Años mas tarde, nos deslumbró con juguetes, insectos parlantes y dinosaurios criados por primates, que hicieron la delicia de miles de infantes. Ya en el nuevo milenio, nos desayunamos a un ogro desfachatado, humanos luchando por sus almas y un mundo nuevo detrás de cada puerta de armario. Es por todo esto, que la meca informática logró su espacio y reconocimiento, y obtuvo hasta una categoría dentro de los premios Oscar, lo que abrió un futuro inmenso.

Pero para el futuro todavía falta mucho y por eso, mejor contar cosas que ya ocurrieron o mejor dicho, pudieron haber pasado. Así es que no encontramos con La Era de Hielo o como la catalogó alguno de sus creadores “tres mamíferos prehistóricos y un bebe”, parafraseando aquella recordada producción con Tom Selleck, Tres hombres y un bebe.

A decir verdad la historia puede sonar trillada y poco original: tres personajes bien estereotipados, con personalidades enfrentadas, sin disfrutar de su mutua compañía, en pos de una aventura no deseada, terminan siendo una “familia disfuncional” luego de finalizar la tarea auto encomendada. En resumen, lo mencionado sería un buen resumen para esta cinta, pero no sería del todo justa.

Para ser ecuánime, hay que pensar al film como un producto destinado para a un publico en su mayoría infantil, aunque cualquier adulto, y me incluyo, puede disfrutarla sin ponerse colorado, como un infante más o por ponerlo en otras palabras. Deberíamos decir que es una película para toda la familia. Conviene aclarar que el cinéfilo no va a encontrar una obra majestuosa como Shreck o Monster Inc., que disimulada entre creaciones infantiles, disparaba critica a diestra y siniestra. Esto es mas sencillo, tratando de exponer un mensaje de amistad y solidaridad entre animales de distinta raza, que por supuesto son más parecidos a lo actualmente conocemos como raza humana, y que deja una campana resonante en los oídos de los espectadores, que mañana serán adultos... algo para no dejar escapar.

Mas allá de la industria y exclusivamente para los mas grandes, la productora incluyó en esta producción las voces de algunos de los comediantes más reconocidos del momento y que por la actualidad circundante – en Sudamérica, obvio - no podremos disfrutar. Por esto, para escuchar el humor de Ray Romano, John Leguizamo y Jack Black, habrá que tener cable, o alquilar algún cassette en su video club amigo.

Aunque ya se ha mencionado que la temática no es de lo mas novedosa, el trabajo de guión deja algunos guiños muy interesantes – recordar la teoría de cadenas evolutivas y supervivencia del más apto de Charles Darwin – para aquellos despiertos, con parlamentos muy bien adaptados a una época que ninguno de los presentes conoció.

Finalmente, la opinión ha sido benévola aunque no podrá objetarse falta de mérito y aunque para algunos el estilo de creación pueda parecer fría, la historia vuelve a demostrarnos que la tecnología bien utilizada, puede rendir buenos frutos.

Sebastián Montagna
© Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción.